CINECLUB

the ten commanders

2009-04-17T19:08:00.000-07:00

Publicado por blumun en lunes, junio 16, 2008

Los Diez Mandamientos. Espectacular para la época. Dirección y producción: Cecil B. DeMille. Un gran reparto : Charlton Heston
Yul Brynner,Anne Baxter,Edward G. Robinson,
Yvonne De Carlo,Debra Paget,John Derek,
John Carradine y multitud de extras.Todo un clásico.

Naranjo en flor La película de Antonio González Vigil.

2009-04-17T19:03:00.001-07:00

Naranjo en flor
Publicado por Verónica el 15 de Abril de 2009 en POCHOCLOS.COM

Si cada película se construye en base a un determinado tipo de público, entonces se puede decir sin riesgo de equivocación que Naranjo en flor, el drama con elementos de thriller próximo a estrenarse en la cartelera española, ha sido realizada específicamente para cautivar a hombres y mujeres de espíritu tanguero.

Aquellos aficionados al género musical que inmortalizaron Astor Piazzolla, Roberto Goyeneche y Carlos Gardel, entre muchos otros, ya habrán advertido que el filme que presentamos en esta oportunidad toma su nombre de un reconocido tango, pero aún resta conocer otra prueba que, sin duda, evidencia el perfil tanguero de esta coproducción hispano-argentina dirigida por Antonio González-Vigil.

En este sentido, no es un dato menor saber que el personaje principal femenino, interpretado por la actriz María Marull, ha sido bautizado Malena, como el tango escrito por Homero Manzi.

Hechas las asociaciones entre el filme y el ámbito tanguero, resulta oportuno brindar detalles sobre el argumento.

Naranjo en flor, como hemos adelantado en los párrafos anteriores, está protagonizado por Malena, una atractiva mujer de mediana edad que es psicoanalista de profesión y tanguera por devoción.

El destino hace que, durante una noche como cualquier otra, le ponga fin, de forma accidental, a la vida de un policía y opte por ocultar el crimen. A partir de entonces, ella entrará en contacto con Carlos, un compañero del fallecido que tiene a su cargo la investigación de su desaparición.

Este hombre, de origen vasco y apodado “El Sabina” por su devoción hacia el conocido cantante que lleva dicho apellido, es un ser derecho y duro con el cual Malena comenzará una apasionada y transgresora relación cuyo final será inesperado para todos.

Aunque cada uno de ustedes podrá, si decide ver la película completa, sacar sus propias conclusiones respecto a esta obra, es importante advertirles que, hasta el momento, Naranjo en flor generó en el público más decepciones que satisfacciones.

Pese a que tres opiniones resultan insignificantes si se tiene en cuenta que la cinta ya ha sido vista por una gran cantidad de espectadores, ese número se vuelve llamativo en FilmAffinity porque allí se produjo un triple consenso a la hora de resaltar los puntos negativos del filme.

Tanto Deckard como Rotini coincidieron a la hora de señalar las fallas a nivel dirección, incluso el primero no dudó en asegurar que Naranjo en flor representa un “daño a la vista, el oído y a todo en general”. Viconce, por su parte, consideró que este “intento de película” no consigue convencer al público, “es empalagosa hasta la saciedad”, fastidia con el recurso de la voz en off y, en definitiva, lo único que genera son ganas de huir de la sala.

Si bien este drama no llega respaldado de buenas críticas, ya se ha ganado un espacio en la cartelera española y allí llegará el próximo 17 de abril, fecha a partir de la cual cada uno de ustedes podrá juzgarla con sus propios ojos.

Trailer de Naranjo en flor

Valoracion: 0 Basado en 0 opiniones Autorizada para: Mayores de 13 años
Estreno: 17-04-2009
Año: 2008
Género: Peliculas de Drama
Actor / Actriz: Eduardo Blanco, María Marull, Dalia Elnecavé, Fausto Collado
Guionista: Antonio González Vigil
Director: Antonio González Vigil
Fotografía: Federico Juárez
Producción: Antonio González Vigil
Distribuida por: Aquelarre servicion cinematográficos
Opina
Sinopsis de Naranjo en flor
Malena es una mujer de mediana edad atractiva, psicoanalista de profesión y tanguera por devoción. Una noche mata accidentalmente a un policía y oculta el crimen. Casualmente Malena conoce a Carlos, compañero del policía muerto y encargado de investigar su desaparición. Carlos es de origen vasco y lo llaman "El Sabina", porque utiliza versos de las canciones del artista. El Sabina es un tipo duro y seguro.

Entre Malena y "El Sabina" surge una extraña fascinación, ambos saben que el es el hombre que tiene que descubrir su crimen y debería detenerla. Desde el principio comienza entre ellos una relación apasionada y transgresora, sin límites... que tendrá un inesperado final.

Crítica de Naranjo en flor
"Naranjo en flor" es una película hispano-argentina que coge su nombre del famoso tango. Malena es una atractiva psicoanalista, amante del tango, que accidentalmente manta a un policía y oculta su crimen. Es entonces cuando conoce a Carlos, oficial de policía encargado de averiguar qué pasó con su compañero. Dirigida por Antonio González Vigil, "Naranjo en Flor" pasó a principios de mes por el Festival de Málaga y ahora llega a nuestros cines. Buena interpretación de los actores María Marull y Eduardo Blanco, aunque la calidad técnica del film deja bastante que desear. El final, aunque intenta sorprendernos, no lo consigue.

Tan sutil como el tango que en la noche se despierta, así el amor mata con su melodía, mata y trae a algunos a la vida. Malena una noche por accidente mata a un policía, desde aquel día un secreto la encadena. Luego de unos tangos y sus días ella conoce a Carlos a quien llaman 'El Sabina'. El destino juega extrañamente, Carlos resulta ser el compañero del policía muerto y quien además investiga su desaparición. El amor los toma como blanco iniciando una relación de pasión aun a costa de lo que cada uno sabe e ignora, se acercará el final y ellos no serán quienes lancen los dados. Coproducción: Argentina.

casablanca

2009-01-03T12:51:00.002-08:00

Casablanca (1942)

Directed By: Michael Curtiz
Screenplay: Murray Burnett, Joan Alison (play); Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch
Cast: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid

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EVERETT COLLECTION

veryone, by now, has come to Rick's—and come away continuing to admire the film's doomy romance, political idealism, crackling dialogue and wonderful performances. It's a studio film that exemplifies (and even justifies) the studio system at its best: slick, efficient, and able to make some pretty stale clichés feel to us like high truth. This is populist movie-making transformed into something like art.—R.S.

From the TIME Archive:
Nothing short of an invasion could add much to Casablanca

TAXI DRIVER

2009-01-03T12:51:00.001-08:00

Taxi Driver (1976)

Directed By: Martin Scorsese
Screenplay: Paul Schrader
Cast: Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster

IME hated the movie when it came out ("thoroughly depressing realism" was the best it could say). But Robert DeNiro's portrait of that increasingly familiar American figure-the lone (psycho) gunman-grows ever scarier and more relevant. The movie's great twist, in which he becomes a media hero, also engenders deep, dark thoughts about the world we live in. The power of Scorsese's filmmaking grows ever more punishing with the passage of time.—R.S.

The film goes most disastrously wrong when it tries to turn slice-of-life realism into full-scale melodrama
—TIME Magazine, Feb. 16, 1976 >>

the purple rose of Cairo - Woody Allen

2009-01-03T12:48:00.000-08:00

The Purple Rose of Cairo (1985)
Directed By: Woody Allen
Screenplay: Woody Allen
Cast: Jeff Daniels, Mia Farrow, Danny Aiello

EVERETT COLLECTION

leading man (Jeff Daniels) steps down off the movie screen to bring a touch of romance to the life of Mia Farrow's downtrodden waitress. Set in Depression-era America, this astonishing exercise in Magic Realism is both an arresting spin on romantic comedy conventions and a light, lovely meditation on the cost of surrendering our lives to commercialized fantasy. "Rare currents of wit and nostalgia," TIME's reviewer wrote. But in retrospect, it is much more than that.—R.S.

From the TIME Archive:
The Purple Rose of Cairo is not merely one of the best movies about movies ever made. Its subject is not how movies work but how they work on the audience
—TIME Magazine, Mar. 4, 1985 >>

baby face

2009-01-03T12:47:00.001-08:00

Baby Face (1933)

Directed By: Alfred E. Green
Screenplay: Darryl F. Zanuck (story) (as Mark Canfield); Gene Markey, Kathryn Scola
Cast: Barbara Stanwyck, George Brent

EVERETT COLLECTION

n four fabulous years before a strict Motion Picture Code put the cap on audacity, Warner Bros. produced a garish gallery of rude, saucy films. Tough guys used guns and grapefruit to commandeer the urban nightscape; dames like Dorothy Mackaill and the young Bette Davis lured men to a heavenly Hades. But no actor was as tough as Barbara Stanwyck, and no actress used womanly wiles with an intelligence so cool and cutting. In this invigorating affront of a movie, dreamed up by Warners' departing production chief Darryl Zanuck, Lily (Stanwyck) escapes to New York from an Erie, Pa., speakeasy where her father has rented her out to the customers. In a big-city bank, she sleeps her way to the top, leaving a heap of discarded men (and one or two corpses). Even in a version pruned for the New York state censors, Baby Face was the definitive pre-Code statement of how the Depression created a new morality of no morality. Now the missing five minutes have been restored, and we see how the movie snarled every bit as brazenly as Stanwyck did. —R.C.

From the TIME Archive:
When the Hays organization ordered portions of Baby Face changed, it caused one of the studio rows between Darryl Zanuck and Harry Warner as a result of which Zanuck quit Warners, formed a new company called Twentieth Century Pictures, Inc.

KING KONG - 1933

2009-01-03T12:46:00.001-08:00

King Kong (1933)

Directed By: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
Screenplay: Merian C. Cooper, Edgar Wallace (story); James Ashmore Creelman, Ruth Rose
Cast: Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot

EVERETT COLLECTION

he greatest of the great apes tragically pursues his helpless, hopeless passion, and 72 years after he emerged from his jungle lair this remains one of the movies' immortal tales of unrequited love. And the heartbroken, heartbreaking look in his eyes as the planes shoot him off the Empire State building remains the greatest single special effects shot ever made. TIME (March 13, 1933) thought Kong too humongous to be "plausible"— an understatement if ever there was one—but also found him "wholly enjoyable," which is also a bit of an understatement, too.—R.S.

From the TIME Archive:
Kong was not made entirely by enlarging miniatures. Kong is actually 50 ft. tall, 36 ft. around the chest. His face is 61/2 ft. wide with 10-in. teeth and ears 1 ft. long. His furry outside is made of 30 bearskins

BUENOS MUCHACHOS.

2009-01-03T12:44:00.000-08:00

Goodfellas (1990)

Director: MARTIN SCORSESE.
Screenplay: Nicholas Pileggi (book); Nicholas Pileggi, Martin Scorsese (screenplay)
Cast: Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino

WARNER BROTHERS / EVERETT COLLECTION

he director wanted his bloody, dirty-talking study of small-time Mafiosos to have the spirit of "a rollicking road picture," and he achieved this paradoxical goal brilliantly. The picture only seems amoral. Behind its grinning mask it is an acute parody of "family values" and of moral incomprehension. And Joe Pesci is awesome as the most psychopathic of hoods.—R.S.

From the TIME Archive:
GoodFellas offers the fastest, sharpest 2 1/2-hr. ride in recent film history

LOS BUENOS, LOS MALOS Y LOS FEOS.

2009-01-03T12:43:00.000-08:00

The Good, The Bad and The Ugly (1966)

Directed By: Sergio Leone
Screenplay: Luciano Vincenzoni, Sergio Leone
Cast: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach

EVERETT COLLECTION

eone's reinvention of the western reaches its epic apotheosis in a movie about the pursuit of gold lost by the Confederates during the Civil War in the Texas theater. Clint Eastwood is the "good" (slow to anger, but quick on the trigger), Lee Van Cleef is the bad (an elegant exemplar of absolute evil) and Eli Wallach is the "ugly" (a menacingly funny, totally amoral bandido whose relationship with the Eastwood character consists largely of betrayals). Leone's magnificent style is all contrasts (huge panoramic shots alternating with tight close-ups, very slow build-ups to lightning-fast action). This perfectly matches a narrative that encompasses sadistic brutality, wild humor and, yes, a tragic vision of war and its consequences.—R.S.

From the TIME Archive:
Ugly is Leone's insatiable appetite for beatings, disembowelings and mutilations, complete with closeups of mashed-in faces and death-rattle sound effects

E.T.

2009-01-03T12:41:00.000-08:00

E.T. The Extra-Terrestrial (1982)

Directed By: Steven Spielberg
Screenplay: Melissa Mathison
Cast: Henry Thomas, Robert MacNaughton, Drew Barrymore

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EVERETT COLLECTION

his was the closing-night attraction at the 1982 Cannes Film Festival, a venue not known for blubbering sentiment. At the end, as the little critter bade his farewells and the Jules Verne-like space ship left the ground, the audience similarly levitated. One heard the audience's childlike applause; one felt their spirits lift. This was rapture made audible, palpable. And when E.T. played in commercial theaters, the effect was repeated around the world. Screenwriter Melissa Mathison lent a fairy-tale clarity to the director's standard plot of a lost boy seeking his way back home. And Spielberg orchestrated the movements of the camera and the puppet spaceman with the feelings of—it has to be called love—expressed in young Henry Thomas' yearning face. E.T. was the first film character to be a finalist in TIME's Man of the Year sweepstakes. It would have been fine with me if the little creature, this lovely film, had won. —R.C.

From the TIME Archive:
E. T. is a miracle movie, and one that confirms Spielberg as a master storyteller of his medium

2009-01-03T12:40:00.000-08:00

The Godfather, Parts I and II (1972, 1974)

Directed By: Francis Ford Coppola
Screenplay: Mario Puzo (novel); Francis Ford Coppola (screenplay)
Cast: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Robert De Niro

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EVERETT COLLECTION

he gangster movie transformed into dark epic—and, more important, into a metaphor for every family's dysfunction, and a lot of America's, too. The burnished darkness of Gordon Willis's cinematography sets an unforgettable tone. The grandeur of the acting (Brando, Pacino, DeNiro among others) gives it a curious nobility and the multigenerational narrative has the power to move us to terror, pity and, occasionally, bitter laughter. Maybe it is, as some have said, only a pop masterpiece. But a masterpiece it surely is.—R.S.

From the TIME Archive:
Brando's only major fault as an actor was that he would not or could not learn his lines, and had to read them from hidden cue cards.

DEFIANCE

2009-01-03T12:37:00.000-08:00

Defiance: Beyond Holo-kitsch

The Movies' Best-Loved Costumes
Special Report

Edward Zwick, the TV producer (thirtysomething) and maker of Important Films (Glory, Courage Under Fire, Blood Diamond), writes in the New York Times that he felt a similar Holocaust-movie fatigue when offered the idea of a film on the Bielski brothers, a band of real-life Jews in Belorussia during World War II. "I groaned, 'Not another movie about victims,' " he writes. But he went ahead and made Defiance anyway.

At the moment, five new films that touch on the Nazis' Final Solution — Defiance, The Reader, Good (which prompted TIME critic Richard Schickel to call for a moratorium), The Boy in the Striped Pajamas and Adam Resurrected — are in theaters. A sixth, Valkyrie with Tom Cruise, is a Holo-cousin: it details a 1944 plot by German officers to kill Hitler. Taylor notes that since the early 1990s, when Steven Spielberg was preparing his Oscar-winning Schindler's List, there have been 170 Holocaust movies. (The Internet Movie Database lists 429 titles on the subject.) It has become not just a topic but a genre, one that, at its most reductive, exploits the awful events of that chapter in history to badger viewers, intimidate critics, elicit easy tears and serve as a back-patting machine for serioso directors. The excesses of the genre have spawned derisive nicknames: Holo-kitsch (Art Spiegelman's term) and Holocaust porn (which Taylor cites).

Yet the enormity of the event, and its dreadful intimacy — not the long-range crime of missiles fired across borders or dropped from planes, but people leading other people to gas chambers — make it a compelling, nearly irresistible movie theme. "What a wonderful subject to explore in as many ways as possible," indie mogul Harvey Weinstein told the New York Post. "I hope our children get educated about the Holocaust, so it will be 'Never again.' " Death-camp literature is such a reliable attention getter that a few writers have invented memoirs. This week Berkley Books canceled publication of Angel at the Fence when its author, Herman Rosenblat, acknowledged that the story of meeting his wife at Buchenwald was not true. Nonetheless, a movie version of the book is going forward.

Reviewing Claude Lanzmann's 9 1/2–hour documentary Shoah in TIME in 1985, I asked, "Why is this holocaust different from all other holocausts? In raw nightmare numbers, the Nazi extermination of 6 million European Jews ranks below the Soviet Union's systematic starvation of the rebellious Ukraine in 1932-33 (10 million by Stalin's count) and Mao's catastrophic Great Leap Forward into prolonged famine in 1957-62 (at least 27 million). Uganda and Kampuchea have produced more recent evidence" — alas, the examples of Rwanda, Bosnia and Somalia could subsequently be added — "that Hitler's policy of mass murder as an instrument of statecraft was not unique.

"Yet the Final Solution remains the archetype of man's bestiality to man, and there are compelling reasons for this to be so. The villain: Hitler still seems the embodiment of melodramatic evil, a spellbinder sent from hell or central casting. The perpetrators: a civilized Western nation conceived the outrage of genocide and executed the plan with technological precision; if the Germans could do it, anyone could. The victims: the Jews, eternal outsiders, were traditionally treated by Christians with an uneasy mixture of envy and enmity. Here was the seed of ordinary anti-Semitism brought to rancid fruition."

Some Were Warriors
Zwick was especially rankled by the legacy of Jews as victims, as passive enablers of their own destruction. Thus his attraction for a film about the three elder Bielski brothers, who forged a community of refugee Jews in the Belorussian woods and fought off the soldiers hunting them down. They helped other Jews escape the Warsaw ghetto. The Bielskis' heroism saved about as many Jewish lives as the hero of Schindler's List did. And they were family, not a wealthy Gentile whose act of paternalist benevolence can be stretched to absolve a generation of "good Germans." The Bielski tale showed that not all Jews were victims. Some were warriors.

A BUSINESS AFFAIR.

2008-05-01T12:09:00.000-07:00

A Business Affair (1994)
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more Photos

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Overview
Director:Charlotte Brandstrom

Charlotte Brandstrom speaks English, French and Swedish fluently and some Spanish and German. A graduate of the Directing Program at the American Film Institute (AFI) in Los Angeles, she has directed over twenty feature films, mini-series, and movies-of-the-week over the past 15 years. Her projects have involved international talent such as Christopher Walken, Jonathan Pryce, Rosanna Arquette, Peter Weller, Jürgen Prochnow, Marisa Berenson, Carrie Fisher, as well as renowned French actors such as Carole Bouquet, Guillaume Canet, Judith Godrèche, Tchéky Karyo, Bernard Lecoq, Pierre Arditi, Florence Pernel and others.

Writers:Charlotte Brandstrom (story)
Lucy Flannery (dialogue)
more
Release Date:8 December 1995 (USA) more
Genre:Comedy | Romance more
Tagline:Are you free tonight?
Plot:This is the story of the lovely Kate Swallow and the loves of her life. At the start she is with Alec Bolton... more | add synopsis
Plot Keywords:Female Nudity | Beautiful Woman | Human Relationship | Independent Film | Based On Book
User Comments:A nice film, Carole Bouquet very good. more

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Cast (Cast overview, first billed only)

Christopher Walken ... Vanni Corso
Carole Bouquet ... Kate Swallow

Jonathan Pryce ... Alec Bolton
Sheila Hancock ... Judith
Anna Manahan ... Bianca

Fernando Guillén Cuervo ... Ángel

Tom Wilkinson ... Bob
Marisa Benlloch ... Carmen
Paul Bentall ... Drunken Man

Bhasker Patel ... Jaboul
Roger Brierley ... Barrister
Allan Corduner ... Dinner Guest
Marian McLoughlin ... Dinner Guest
Miguel De Ángel ... Spanish Taxi Driver
Christopher Driscoll ... Policeman
more
Create a character page for: Vanni CorsoKate SwallowAlec BoltonJudithBiancaÁngelBobCarmenDrunken ManJaboulBarristerDinner GuestDinner GuestSpanish Taxi DriverPoliceman-----------more...

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Additional Details
Also Known As:Astucias de mujer (Spain)
D'une femme à l'autre (France)
Liebe und andere Geschäfte (Germany)
more
MPAA:Rated R for language and some sexuality.
Parents Guide:Add content advisory for parents
Runtime:UK:102 min | USA:98 min
Country:UK | France | Germany | Spain
Language:English
Color:Color
Sound Mix:Dolby
Certification:Australia:M | Australia:MA (DVD rating) | South Korea:18 | Iceland:L | Germany:12 | UK:15 | USA:R
Filming Locations:England, UK more
MOVIEmeter: 31% since last week why?
Company:Canal+ more

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Fun Stuff
Trivia:Christopher Walken says the role of Vanni Corso in this movie is more like himself than any other character he's ever played. more

EL DÍA DE LA MARMOTA - Harold Ramis

2008-02-22T11:09:00.000-08:00

miércoles 6 de diciembre de 2006

EL DIA DE LA MARMOTA
Este es un ejemplo de película con título trastocado, en Chile por ejemplo, se conoció como Hechizo en el tiempo, en otros países como Atrapado en el tiempo. Estos son estos típicos títulos para sudamericanos ignorantes, es como si a SPEED (Máxima Velocidad), le hubieran puesto "El autobús que viajaba rápido porque si no explotaba".

Los cambios de nombres nos traen siempre problemas,mucha gente hablaba del Día de la Marmota y yo no la conocía... hasta que un día... atando cabos entendí que Hechizo en el tiempo y el Día de la Marmota eran lo mismo.

Una película que podría ser súper simple, de esas que daban en el canal 13... cuando existía Cine en su casa (de hecho ahí la vi la primera vez). Pero hace poco la arrendé en VHS (sí leyeron bien VHS) y la re-ví. Porque se me había olvidado, y en el trabajo la recodábamos como un clásico!!!. Bueno... ahí entendí que El día de la Marmota (porque así la llamaré... y le pido a todos que si pueden la llamen así). Repito que El día de la Marmota no es una película de ficción.

Claro que no, ¿cuánta gente ha quedado atrapada en el tiempo y vive todos los días lo mismo?, Y no es porque Fukuyama haya matado a la historia, es porque parece que el tiempo no corre, Lo último interesante que pasó en el mundo fue la caída de las Torres Gemelas... de ahí algo trascendente?...Nada!, Cómo será que ahora los diarios inventan las noticias,después la televisión toma las noticias que los diarios inventan y las "cubre", y después nosotros comentamos el rostro de LUN del día, para no quedar desinformado...

Otro ejemplo de hechizo en el tiempo, el domingo pasado se enfermó nuestro dictador top que ya cumplió sus 91 años y aparecieron otros casos de hechizo en el tiempo, unas señoras gritaban como en esos días del SI y más atrás, para esas señoras que se quedaron atrapadas en el día 12 de septiembre de 1973, no existieron los días de Pisagua, del Plebiscito, de Londres, del Banco Riggs.

Sumo y sigo... En la mañana escuche por mp3 una conferencia que se dio el lunes en el Colegio de Arquitectos, en la que se hablaba de los pobladores de la José María Caro y el Plan regulador comunal de Lo Espejo , en ella habla una dirigente de los pobladores con un discurso que me pareció calcado a los que salían en La Batalla de Chile. Otra persona que se le apareció su día de la marmota y quedó atrapada en un discurso del 10 de septiembre de 1973.
¿Y cuál es nuestro día de la marmota? ¿en que momento todo empezó a ser igual?

La monotonía se transforma a veces en un hechizo, hay trabajos que embrujan, hay amores que se convierten en una repetición de cosas, hay dolores que nos atrapan en el tiempo...
Porque Chile tiene desde hace muchos años gente hechizada... por favor, señoras del Hospital Militar, Dirigentes poblacionales, alcaldes, diputados, periodistas, arquitectos, cesantes, Presidenta, senadores, y todos los demás... tratemos de romper ese conjuro y vivir los días de verdad.

Overview
Director:Harold Ramis

Writers (WGA):Danny Rubin (story)
Danny Rubin (screenplay) ...
more

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Cast (Cast overview, first billed only)

Bill Murray ... Phil Connors

Andie MacDowell ... Rita
Chris Elliott ... Larry

Stephen Tobolowsky ... Ned Ryerson
Brian Doyle-Murray ... Buster Green
Marita Geraghty ... Nancy Taylor
Angela Paton ... Mrs. Lancaster
Rick Ducommun ... Gus
Rick Overton ... Ralph
Robin Duke ... Doris, the Waitress
Carol Bivins ... Anchorwoman

Willie Garson ... Kenny

Ken Hudson Campbell ... Man in Hallway
Les Podewell ... Old Man
Rod Sell ... Groundhog Official

EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN I y II - ELISEO SUBIELA

2008-02-22T10:55:00.000-08:00

Lado oscuro del corazón, El (1992)

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Director:Eliseo Subiela

Writers:Mario Benedetti (poems)
Juan Gelman (poems)

Release Date:21 May 1992 (Argentina)
Genre:Comedy / Romance / Drama

Awards:12 wins & 1 nomination more

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Cast (Complete credited cast)
Darío Grandinetti ... Oliverio
Sandra Ballesteros ... Ana
Nacha Guevara ... La Muerte (Death)
André Mélançon ... Erik
Jean Pierre Reguerraz ... Gustavo
Mónica Galán ... La ex esposa
Inés Vernengo ... La ciega
rest of cast listed alphabetically:
Marisa Aguilera ... Bigotuda
Hugo Arana
Mariana Baranchuk ... Amiga Ana
Claudia Bedacarratz ... Mendiga
Mario Benedetti ... Poeta Aleman
Jesús Berenguer ... Publicitario 1
Pablo Brichta ... Novio
Silvina Chaine ... Mujeres cabaret
Marcela Criquet ... Mujer Disco
Dalila ... Singer in the Subway
Jorge Del Castilo ... Policía
Jorge Dória ... Librero
Leonor Evelson ... Strip tease
Diana Farias ... Mujeres cabaret
Zacarias Ferrarotti ... Ayudante parrillero
José Luis García Espina ... Publicitario 2
Luis Gianneo ... Empleado hotel
Carlos Gorriarena
Delfina Grau ... Mujer dormida
Tito Haas ... Parrillero
Lara Jadur ... Niño mendigos
Pablo Jadur ... Niño mendigos
Natalia Jesimczuk ... Novia

Jorge Lanata
Diego Leske ... Abogado
Grecia Levy ... Mujeres cabaret
Juan Leyrado
Marta Machado ... Cajera banco
Karina Meroni ... Novia parrillero
Mora Moglia ... Mujer auto
Miriam Moyano
Santiago Mugnani ... Joven con muerte
Helena Nessi ... Mujeres cabaret
Miriam Odorica ... Mujer 1
Cecilia Ortelli ... Mujeres cabaret
Graciela Pascual ... Correntina
Adriana Pérez ... Mujer del final
María Laura Reigosa ... Mujer aerobismo
Carmen Renard ... Mujer pensión
Paco Rey ... Mozo corazón
Ana Rossi ... Mujeres cabaret
Chela Ruíz
Maria Elena Sagrera ... Madre ciega
Salvador Sammaritano
Violeta Scarponi ... Empleada Ferry
Adriana Schettini ... Periodista
Miguel Ángel Solá
Walter Soubrie ... Vendedor
Eliseo Subiela ... Niño vendedor de flores
Santiago Subiela ... Niño mendigo
Ezequiel Tabarex ... Niño con muerte
Ernesto Torchia ... Cliente 2 (as Ernesto Torquia)
Jackie Tyrrell ... Cliente 1
Déborah Vidret ... Mujeres cabaret
Elvira Villarino ... Mujeres cabaret
Néstor Zacco ... Ejecutivo agencia
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Also Known As:The Dark Side of the Heart (Canada: English title) (USA)
Côté obscur du coeur, Le (Canada: French title)
Heart's Dark Side
more
Parents Guide:Add content advisory for parents
Runtime:127 min
Country:Argentina / Canada
Language:Spanish
Color:Color (Eastmancolor)
Aspect Ratio:1.85 : 1 more
Sound Mix:Dolby
Certification:Argentina:16 / Chile:18 / France:U / Germany:16 / Spain:18 / USA:R
Filming Locations:Buenos Aires, Federal District, Argentina
MOVIEmeter: 6% since last week why?
Company:CQ3 Films more

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Fun Stuff
Trivia:This Argentina's official selection for the 1992 Oscar Awards, Foreign Language film category. When the Oscar nominations came out it was overlooked in favor of Un Lugar en el mundo (1992) (A Place in the World) which was later the only film in Academy Awards history to have been removed from the final ballot.

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Autor del comentario: José Ariel Camilo (jarielcamilo@yahoo.com) from Dominican Republic

"El Lado Oscuro del Corazon" is not a conventional film, it is totally different. This film is true art, it uses the Mario Benedeti,s poems and here it begins the art and the solemnity own of this mastepieces; this do it special and winner of the you watch it. Please enjoy it!

EL LADO OSCURO DEL CORAZON
Una vez subiendo el monte del Calvario de Copacabana, en Bolivia a orillas del lago Titicaca, nos encontramos con unos argentinos, ellos como siempre cancheros, empezamos la típica discusión chauvinista, ¿ y mirá que nosotros tenemos al mejor jugador del mundo?... y tenemos esto a Gardel y a Charly García, y esto otro, a lo que uno como chileno tiene que acudir a lo que tiene más a mano... Neruda. y le decimos pero nosotros tenemos a Neruda... y el argentino dice... ¡¡¡epa, epa!!! que Neruda no es Chileno, es parte de Latinoamérica... ahí terminó la discusión... ganándonos por goleada... como en el fútbol.
Pero como de toda derrota hay que sacar una enseñanza, yo adopté ese término para muchos de nuestros orgullos latinoamericanos... entre ellos uno de mis máximos ídolos de adolescencia el uruguayo Mario Benedetti.

El lado oscuro del corazón es una película de género poético, así como hay películas musicales, de terror, etc... El Lado Oscuro es una película bañada en la poesía latinoamericana. Hecha con color opaco del cine de principios de los 90.

El lado oscuro la vi dos veces hace muy poco, la primera a punta de cabezazos, porque posee la lentitud de las películas de Subiela, la segunda vez la vi mejor la mastiqué y encontré hermosa, con una cuota de efectos especiales simples, que demuestran la inocencia de la época, no es un Laberinto del Fauno... pero que importan los actores cuando la principal actriz de esta historia es la poesía latinoamericana. La poesía de Benedetti, Oliverio Girondo y Juan Gelman, son el guión de esta historia que gira entre el Río de la Plata por Buenos Aires y Montevideo.

Alguna vez contaba que la vida tiene eso de los albumes de cromos que se van llenando con el pasar de los días, poco a poco se van colocando las nuevas laminas, la de la mujer de la vida, la de la decepción, la de la ex, la del innombrable, la de los hijos, la de las nuevas vidas y las de las escenas de las futuras muertes. Así uno sin querer se encuentra toda la vida buscando, y se la pasa buscando personas y respuestas, yo busco al amor, tal vez no esté buscando a esa mujer que vuela que busca Oliverio, y pese a que no lo demuestre, busco alejarme de la soledad, busco encontrarme a mi mismo y busco ser feliz. ¿Terminará uno de buscar?...
El lado oscuro del corazón trata de nuestra búsqueda de la plenitud, mientras la muerte al mejor estilo del séptimo sello se aparece por todos lados como una advertencia, de que debes disfrutar la vida...

Con una serie de metáforas, el cine argentino nos regaló al patrimonio latinoamericano esta historia, cargada de símbolos, poemas y sueños.

MUJER BONITA - Garry Marshall. (Richard Gere, Julia Roberts)

2008-02-22T10:44:00.000-08:00

Overview
Director:Garry Marshall

Writer (WGA):J.F. Lawton (written by)

Release Date:11 October 1990 (Argentina)
Genre:Comedy / Romance
Tagline:Who knew it was so much fun to be a hooker? more
Plot Outline:A man in a legal but hurtful business needs an escort for some social events, and hires a beautiful prostitute he meets... only to fall in love.

Plot Keywords:Hotel Manager / Whimsical / Sex / Tycoon / Male Female Relationship more
Awards:Nominated for Oscar. Another 7 wins & 9 nominations more

Cast (Cast overview, first billed only)

Richard Gere ... Edward Lewis

Julia Roberts ... Vivian Ward
Ralph Bellamy ... James Morse

Jason Alexander ... Philip Stuckey

Laura San Giacomo ... Kit De Luca

Alex Hyde-White ... David Morse

Amy Yasbeck ... Elizabeth Stuckey
Elinor Donahue ... Bridget

Hector Elizondo ... Barney Thompson

Judith Baldwin ... Susan
Jason Randal ... Magician
Bill Applebaum ... Howard
Tracy Bjork ... Female Guest
Gary Greene ... Male Guest

Billy Gallo ... Carlos (as William Gallo)
more
Create a character page for: James MorseDavid MorseBridgetSusanMagicianHowardFemale GuestMale GuestCarlos-----------more...

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Additional Details
Also Known As:$3000 (USA) (working title)
more
MPAA:Rated R for sexuality and some language. (director's cut)
Parents Guide:View content advisory for parents
Runtime:119 min / USA:125 min (director's cut)
Country:USA
Language:English / Italian / Japanese
Color:Color (Technicolor)
Aspect Ratio:1.85 : 1 more
Sound Mix:Dolby
Certification:Iceland:L / Canada:AA (Ontario) / Canada:G (Quebec) / Brazil:12 / New Zealand:M / Canada:A (Nova Scotia) / Canada:PA (Manitoba) / Argentina:13 / Australia:M / Chile:14 / Finland:K-12 / Norway:15 / Peru:14 / Portugal:M/12 / Singapore:PG / South Korea:18 / Sweden:7 / UK:15 / USA:R / West Germany:12
Filming Locations:617 S. Olive St., Downtown, Los Angeles, California, USA more
MOVIEmeter: 38% since last week why?
Company:Silver Screen Partners IV more

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Magician at party: No matter what they say, it's all about money. So let's imagine, ladies, that you're a savings and loan officer. Watch - one, two, three; see, you've got it all, and we've got nothing. You've got all four, take a look.

Review Summary
Self-involved corporate raider Edward Lewis (Richard Gere) has recently split up with his girlfriend. Seeking directions to the Beverly Hills Hotel, he makes the acquaintance of free-spirited hooker Vivian Ward (Julia Roberts) and decides to put her on a 3,000-dollar retainer as his "date." He Cinderellarizes her by bankrolling a full wardrobe and cosmetic makeover. Of course, the setup will be strictly platonic. A disarming modern-day fairy tale, Pretty Woman was the picture that made Julia Roberts a superstar. As charming as she is in her "giggling" sequences, Roberts' best scene is her triumphant return to a posh Rodeo Drive shop where she'd been previously snubbed. Keeping Pretty Woman afloat throughout is the buoyant direction of Garry Marshall and the always welcome presence of Marshall's stock company of actors, including Hector Elizondo as a stuffy but golden-hearted concierge. Pretty Woman began its life as a much darker story of prostitutes and homicidal drug dealers, but more box-office-savvy heads ultimately prevailed. ~ Hal Erickson, All Movie Guide

FRESA Y CHOCOLATE- Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Trejo.

2008-02-22T10:36:00.000-08:00

FRESA Y CHOCOLATE.

Introducción
Es una película basada en el cuento del escritor Senel Paz quien dice "cuando en 1990 escribí el relato El Lobo, el bosque y el hombre nuevo, no podía sospechar que la historia y los personajes emprendían una larga travesía por distintos lenguajes artísticos: cine, teatro y artes plásticas". Inicialmente, el relato comenzó a conocerse por transmisión oral a través de sus lecturas y las de otros compañeros, y en grabaciones que circularon en cassettes por todo el país. Hasta que el texto fue editado por el Ministerio de Cultura de Cuba con una tirada reducida y una edición modesta pero muy bella, con ilustraciones de Zaida del Río. Luego apareció en la revista Orión, de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNRAC), y siguió circulando en fotocopias. Mucha gente piensa que este relato es el documento más fotocopiado de la historia cubana. Más tarde vino la película Fresa y Chocolate filmada por Tomas Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabio, para quienes el mismo Senel Paz escribió el guión.

Sinopsis

Fresa y Chocolate toma lugar en La Havana, CUBA durante 1970. La película se centra en el papel de David, un estudiante universitario diligente, correcto pero homofóbico para quien sus conceptos de que es bueno y que es malo se ponen en dilema al hacerse amigo de Diego (Jorge Perugorria), un artista homosexual. A pesar que se desarrolla en una sociedad totalmente machista, la película se centra en la relación entre estos dos hombres y cómo lo que antes fue irrespeto y antagonismo cambia a una relación de admiración y tolerancia.
David es un revolucionario y también un estudiante de la universidad en la Havana. Un día al comer helado de chocolate es interrumpido por Diego, un coquetón artista homosexual de 40 años, quien prefiere helado de fresa. Diego corteja a David en una apuesta, y lo persuade a venir a su apartamento con el pretexto de buscar una fotos que le tomó a David cuando salió como Torvald en la reproducción de la Casa de muñecas por Ibsen. En el apartamento mientras busca por las fotos Diego cautiva a David ya que tiene literatura extranjera la cual es prohibida en Cuba. También tiene muchas pinturas religiosas ya que es muy religioso. Al enterarse de que Diego planea hacer una exhibición de arte con la ayuda de una embajada extranjera David se da a la fuga ya que piensa que tal acción es contra-revolucionaria.
David va en busca de su amigo revolucionario Miguel y le cuenta lo acontecido en casa de Diego. Miguel es un hombre prejuicioso y según él la revolución no fue peleada para los homosexuales. Por lo tanto, Miguel quiere comprometer a Diego, y le sugiere a David que visite más a menudo a Diego para obtener más información y evidencias que lo impliquen. Quiere saber de dónde obtiene los libros prohibidos y también cómo agarra el whiskey del mercado negro. Lo más importante de estas visitas es obtener evidencia de una supuesta conexión ilícita con una embajada. Sin embargo estas visitas transforman la relación de Diego y David puesto que inesperadamente se hacen amigos. Al conocerse más forman una unión que les ayuda a poner de lado sus diferencias. Pero no es lo suficientemente fuerte ya que al final la política es más fuerte y Diego tiene que dejar la isla de Cuba.

Sobre el autor: Senel Paz

Nació en Cuba en 1950. Es el escritor de muchas obras de teatro y cuentos, tanto como novelas. Algunas de sus obras son las siguientes:
El rey en el jardín publicada en 1983 (novela); entre sus cuentos figuran Ese niño (1980); Los pequeños se divierten (1989); Las hermanas (1993) y finalmente El lobo, el bosque y el nuevo hombre (1990) por el cual obtuvo el prestigioso premio literario internacional de Juan Rulfo. Sus obras teatrales incluyen Una novia para David (1985), Mentiras adorables (1992), el cual fue galardonado el Premio al mejor guión en el Festival de Cine Latinoamericano que tuvo lugar en Trieste, Italia. Por otra parte Fresa y Chocolate (1992) también ganó el Premio al mejor guión en el XIV Festival Internacional de Cine Latinoamericano celebrado en Havana. Y en 1996 salió Malena es un nombre para tango. Sus historias han sido traducidas en siete idiomas y publicadas en antologías por el mundo. Muchas de sus historias, como también algunos capítulos de sus novelas, han sido llevados a la televisión, la radio y el teatro. Por ejemplo Tú eres parte de la culpa, una obra en reproducción por el grupo cubano Teatro Escambray está basada en historias de Senel Paz.
Estudiantes de Español 2,
Esta página fue creada para ofrecerles información más detallada sobre Fresa y chocolate.

I. Introducción

II. Información histórica y enlaces sobre Cuba

III. Actividades para hacer antes de ver la película

IV. Preguntas sobre la película

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Sobre el director...

Tomás Gutiérrez Alea

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BROKEBACK MOUNTAIN - (Secretos de montaña) ANG LEE

2008-02-20T20:13:00.000-08:00

ROKEBACK MOUNTAIN (USA, 2005) Drama

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Intérpretes Principales: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams, Anne Hattaway, Randy Quaid.

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Argumento: Verano de 1963. El viril Oeste americano.
Ennnis, un introvertido y tosco vaquero, y Jack, un mediocre jinete de rodeo, comienzan a trabajar bajo las órdenes de Aguirre.
Durante el verano traslasdan el ganado a la majestuosa Brockebak Mountain. Ennis está ahorrando para casarse.
Sin embargo, la camaradería que surge entre ellos da paso al amor.

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Mi opinión: Bello film de amor, que en este caso es homosexual, pero que no debe circunscribirse solamente en este apartado al ser de carácter más universal.
Polémico desde sus inicios, solamente por dicho matiz, se trata, no obstante, de una película pudorosa, sobria, de hondo sentimiento, honrada a carta cabal y magníficamente narrada.
Ang Lee, su director, se toma su tiempo en irnos introduciendo en la historia, sin prisas pero sin pausa ninguna.
Todo tiene importancia y todo está engarzado sabiamente gracias a un rico guión, nada fácil tratándose en esta ocasión de la adaptación de una obra corta.
Rodada en bellísimos paisajes, resaltados por una extraordinaria fotografía, gracias a la perfecta interpretación de todos sus miembros, quedan expresados todos los sentimientos que en el amor pueden darse: conocimiento, pasión, amor, sentimiento de pérdida, recuerdo imborrable del primer y único amor.
Un trabajo soberbio de dirección de Lee, que sin caer jamás en el sentimentalismo y por medio de una dirección tranquila, pero con mucha fuerza en su interior, nos acaba por emocionar y, por supuesto, por convencer.
Magníficos diálogos, secos, cortos pero directos al corazón, con una serie de dolorosos personajes, entrañables en su tristeza vital.

Todos tienen importancia vital, tanto los dos protagonistas, como las diversas mujeres que aparecen. Ellas son las que sufren las consecuencias de los actos de los dos hombres, y cada una de ellas reacciona de distinta manera, según su personalidad.
Todo ello expresado de forma admirable en su contención formal, pero intensidad dramática.
Momentos como la última conversación de los dos amantes, resultan inolvidables, por su gran emotividad.
Bella película, triste al mismo tiempo, que resume los prejuicios de una sociedad que no acepta a los que eligen una forma de amar distinta de la mayoría.
Si este film llegara a hace recapacitar a los intransigentes sería de valiosa ayuda social. Pero me temo que no, que solo servirá para emocionar a quienes lo contemplan en una sala oscura de un cine, no calando su mensaje en el exterior. Una pena, pero así será, sin duda.

Comentario de Iñaki Bilbao.

EASTERN PROMISSES - (PROMESAS DEL ESTE) David Cronenberg.

2008-02-20T19:42:00.000-08:00

Overview
Director:David Cronenberg
Writer:Steven Knight (screenplay)
Release Date:14 February 2008 (Argentina) more view trailer
Genre:Crime / Drama / Mystery / Thriller more
Tagline:Every sin leaves a mark.

Plot Outline:The film follows the mysterious and ruthless Nikolai, who is tied to one of London's most notorious organized crime families. His carefully maintained existence is jarred when he crosses paths with Anna, an innocent midwife trying to right a wrong, who accidentally uncovers potential evidence against the family. Now Nikolai must put into motion a harrowing chain of murder, deceit, and retribution.

Awards:Nominated for Oscar. Another 7 wins & 35 nominations

Comentario de Iñaki Bilbao- (Mucho cine)
blog: filmsencajatonta.blogspot.com

Intérpretes Principales: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassell, Armin Müeller-Stahl, Sinead Cusak---
Argumento: El misterioso y carismático Nikolai, nacido en Rusia, es el chófer de una de las familias más importantes del crimen organizado de Europa Oriental.
Encabezada por Semyon, el encantador dueño de un caro restaurante ruso que esconde una naturaleza brutal y fría detrás de su sonrisa, la suerte de la familia se tambalea por culpa de Kirill, su alocado hijo, que hace más caso a Nikolai que a su propio padre.
Pero la cautelosa vida de Nikolai cambia de golpe cuando conoce a Anna, una comadrona que trabaja en un hospital de Londres.
Anna está muy afectada por la situación en la que se encontraba una adolescente que muere dando a luz, y decide buscar a la familia de la chica basándose en el diario que dejó escrito en ruso.
Al escarbar en el diario, Anna desencadena involuntariamente la ira de los mafiosos.
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Mi opinión: Estimable última película del canadiense David Cronenberg, que ha creído oportuno estrenarla en este Festival Internacional de cine de Donostia 2007.
Me alegro que lo haya hecho pues personalmente le considero un creador, últimamente más clásico en el sentido de su narración fílmica, aunque todavía con la mala leche que le caractiza.
Tras su soberbia "Una historia de violencia", para mi gusto, la mejor película del aquél año, Cronenberg nos vuelve a mostrar la dualidad muerte-vida, junto con la del amor-odio, cariño y respeto-odio y venganza.
Y lo hace muy bien desde el punto de vista eminentemente práctico, ya que se ve la cinta sin respirar, fácilmente, siendo muy entretenida siempre y pasando los minutos con increíble facilidad. Y, no, no es que sea muy vistosa en cuanto a ritmo, pues la narración es tranquila, pero inexorable hacia un final ¿determinante?, que es, a mi entender, lo peor del film. Un final poco verosímil, poco creíble, además de ambigüo, cosa que, de por sí, no tiene por qué ser nada malo, pero tal y como suceden los acontecimientos no le encuentro mucha explicación al epílogo. Quizá, simplemente, es que no lo he entendido, pero creo que es poco convincente.
Las interpretaciones son buenas, aunque Viggo Mortensen, a pesar de que da el papel muy bien, no es que sea muy dúctil. Siempre pone la misma cara (porque su personaje es así de estoico) y las mismas poses. Los mejores son los personajes "secundarios", pero inmensamente importantes, como el tío de la protagonista, encarnado por el excelente director polaco Jerzy Skolimovsky.
Excelente la banda sonora de Howard Shore y la fotografía de Peter Suschitzky.
En resumen, una película maja, como digo estimable, al poseer elementos muy positivos, como los ya apuntados y algunos diálogos, pero también en cierto modo, si no decepcionante, sí algo insatisfactorio. Tal vez sea injusto puesto que, aunque sea inconscientemente, quería que fuera, al menos, como "Una historia de violencia", pero el poso que deja es de un buen film, pero mejorable.
Al finalizar la proyección el público aplaudió, pero sin ninguna pasión.
¡Ah!, en cuanto a las escenas violentas, será muy comentado cuando se estrene, la pelea en los baños. Ahí sí que algunos aplaudieron efusivamente, sobre todo por el modo de finalizarla (no apto para estómagos delicados, aviso).
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THE BUCKET LIST- 2007 - ROB REINER

2008-02-14T17:15:00.000-08:00

ANTES DE PARTIR.

Lo que hacemos en esta vida, tiene su eco en la eternidad

"The Bucket List" : Nicholson y Morgan Freeman

The Bucket List, es una de esas películas de las cuales uno se hace inmensas expectativas. 1, es del director de cuando Harry conocia a Sally, 2 tiene a dos gigantes de protagonistas:Jack Nicholson y Morgan Freeman.y 3 es una historia tan simple que obviamente todo pasará por las actuaciones de estos ggantes, y por sus dialogos. Ayer salió a la red el primer trailer, el cual mas que emocinarme,me hizo reir.aquí se los dejo.

Dos enfermos terminales hacen una lista de cosas que hacer antes de morir. Para completarla se embarcan en un viaje en carretera que incluye carreras de coches, gigantescos platos de caviar y partidas de poker.

Antes de partir (The Bucket List, EE.UU./2007, color; hablada en inglés). Dirección: Rob Reiner. Con Jack Nicholson, Morgan Freeman, Sean Hayes, Beverly Todd. Guión: Justin Zackham. Fotografía: John Schwartzman. Música: Marc Shaiman. Edición: Robert Leighton. Presentada por Warner. 96 minutos. Sólo apta para mayores de 13 años.
Nuestra opinión: regular

Para algunos, los incondicionales de Jack Nicholson, de Morgan Freeman o de los dos, puede ser suficiente con disfrutar una hora y media de sus presencias y con verlos moverse sin problemas en personajes hechos a su medida. No para quienes esperen de un film algo más que la aplicación de una fórmula remanida y sientan algún rechazo por la demagogia sentimental a la que Hollywood recurre asiduamente con la mirada puesta en la boletería.

Aquí hasta las "sorpresas" que reserva el guión son previsibles. Toda la anécdota -una suerte de Extraña pareja entre enfermos terminales- suena forzada y artificiosa. Está presuntamente destinada a complacer, es decir, a divertir y emocionar de la manera más superficial, pero le falta ingenio para provocar la risa y credibilidad a sus personajes (y a las situaciones que viven) para emocionar. Y si el libreto de Justin Zackham no ayuda mucho con frasecitas como "sé que cuando él murió sus ojos estaban cerrados y su corazón abierto", tampoco se luce Rob Reiner, que ha perdido el brío de los tiempos de Cuando Harry conoció a Sally y se reduce a cumplir burocráticamente con su tarea, tal vez porque confía en que Nicholson y Freeman le sacarán las papas del fuego.

Nada de eso. El histriónico Jack, que aquí es el malhumorado e iconoclasta dueño del hospital víctima de sus propias reglas (todas las habitaciones deben ser compartidas y por eso le toca Freeman de compañero), parece entretenerse haciendo una parodia de su imagen pública. Morgan pone su oficio y su bonhomía para interpretar al mecánico que no pudo estudiar como quería pero puede dar lecciones de vida. Los dos tienen cáncer, a los dos les queda apenas un año, pero -gentileza del libreto- se muestran tan saludables como para que cuando el millonario descubre que su compañero de cuarto ha esbozado una lista de "cosas que hacer antes de morir" y pone su avión, su dinero y su secretario (Sean Hayes, de Will & Grace ) para cumplir con el proyecto, los dos se lancen a la aventura con el entusiasmo (y la resistencia física) de un par de muchachos.

De viaje

La lista es, por supuesto, estilo Hollywood, vale decir que la mayoría de los objetivos son alcanzables si se cuenta con el capital necesario: quieren ver las maravillas de Egipto, tirarse en paracaídas, montar autos de competición y disputar una carrera, subir al Himalaya, conocer el Taj Mahal y la Muralla China, hacer un safari en Africa, cenar en Francia, etc. Y lo hacen, lo que no significa que el film haya contado con un fenomenal presupuesto de producción, sino con las artes más bien rudimentarias de alguna computadora: la escenas en que los dos observan el majestuoso espectáculo de las pirámides, por ejemplo, parecen filmadas delante de un gigantesco póster y traen alguna nostalgia de los viejos projectings . Mientras dura el recorrido, claro, descubren los "verdaderos valores de la vida". Y al fin subrayan el toque sentimental. Como para que a la receta no le falte ningún ingrediente. Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia.

Fernando López

GONE WITH THE WIND- LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ - 1939

2008-02-14T04:51:00.001-08:00

Lo que el viento se llevo (1939)

Es uno de los grandes clásicos de Hollywood basado en un libro de Margarett Mitchell publicado en 1936. El filme refleja la América profunda del Sur, aunque discretamente se eliminaron todas las referencias peyorativos a los esclavos y al Ku Kux Klan.

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Cuenta la historia de una orgullosa y rica jovencita llamada Escarlata O'Hara (Vivien Leigh) que en los tiempos de la guerra de secesión americana, lucha por salir adelante después de la muerte de su padre y en una nación en guerra. Suspira por el amor de Ashley Wilkes (Leslie Howard), hasta el punto de que sobrepone este interés a cualquier otra cosa. Su vecino Ashley —un noble sureño— acaba casándose con Melania Hamilton (Olivia de Havilland), una mujer buena y adorable, frustrando así las aspiraciones de Escarlata. Al tiempo, un apuesto pero no tan noble negociante llamado Rhett Butler (Clark Gable) se enamora de Escarlata.

Lo que el viento se llevó (Gone with the wind) llegó a rodarse con 5 directores distintos: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Víctor Fleming.

Era una historia magna y el rodaje fue hecho a la medida. La cinta tiene una duración de tres horas y media (211 min.) y un increíble presupuesto que alcanzó entonces los 4,25 millones de dólares. Se convirtió en la película más larga y más cara de la historia. Y es que Selznick era bien consciente de que esta película sería un clásico, una obra maestra que no se devaluaría con el paso de los años...

La academia de Hollywood premió la obra con 13 nominaciones y 8 Oscars: mejor película, mejor director, mejor actriz, mejor guión, mejor actriz secundaria, mejor dirección artística, mejor montaje, y mejor cinematografía a color. Fue una sorpresa que Clark Gable no ganara el Oscar al mejor actor —la película habría ganado los cinco Oscars importantes—, y que Olivia de Havilland no ganara el premio a la mejor actriz secundaria, que recayó sobre la actriz Hattie McDaniel, la entrañable Mammy. Tampoco la excelente banda sonora fue premiada, obra de Max Steiner (nominado todos los años desde 1935 hasta 1951, y ganador del Oscar sólo en dos ocasiones).

RETO AL DESTINO - TAYLOR HACKFORD.

2008-02-14T04:47:00.000-08:00

RETO AL DESTINO.

Oficial y Caballero (1982)

Un amor más allá de las fronteras de la muerte. Cuando su historia se interrumpe trágicamente, el amor puede más que la lógica.

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Título original: "An officer and a gentleman"
País y año: EE.UU. (1982)
Género: Drama
Duración: 119'
Director: Taylor Hackford
Reparto: Richard Gere, Debra Winger, David Keith, Robert Loggia, Lisa Blount, Lisa Eilbacher, Louis Gossett Jr., Tony Plana, Harold Sylvester, David Caruso, Victor French,

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Narra las vicisitudes de los jóvenes norteamericanos en una academia militar de su país, tanto desde el punto de vista de su formación profesional, como de sus relaciones con las chicas del lugar; centrandose en el amor que surge entre uno de éstos jóvenes, Zack Mayo, y Paula, una joven llena de sueños.

PRETTY WOMAN - GARY MARSHALL

2008-02-14T04:43:00.001-08:00

Pretty Woman (1990)

Eersión moderna del príncipe azul que con Richard Gere y Julia Roberts robó el corazón de miles de cinéfilos. Con fresas y champagne, claro. Tierna y adorable

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Título original: "Pretty Woman"
País y año: EE.UU. (1990)
Género: Comedia
Duración: 117'
Director: Garry Marshall
Reparto: Richard Gere, Julia Roberts, Ralph Bellamy, Jason Alexander, Laura San Giacomo

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Un acaudalado y frío hombre de negocios conoce en Hollywood Boulevard a una joven y atractiva prostituta a la que alquila durante una semana para que sea su acompañante en sus cenas con los clientes. Para ello la chica se verá sometida a todo un cambio de look tras el que nadie podrá ver, a simple vista, que es una chica de la calle.

GHOST - 1990 - JERRY ZUCKER.

2008-02-14T04:39:00.000-08:00

Ghost (1990)

Un amor más allá de las fronteras de la muerte. Cuando su historia se interrumpe trágicamente, el amor puede más que la lógica.

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Título original: "Ghost"
País y año: EE.UU. (1990)
Género: Drama
Duración: 124'
Director: Jerry Zucker
Reparto: Patrick Swayze, Demi Moore, Whoopi Goldberg, Vincent Schiavelli, Rick Aviles

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Una pareja de enamorados ve truncada su felicidad cuando él es asesinado por un ladrón. La necesidad de salvar la vida a la chica hace que él permanezca en la Tierra en forma de fantasma e intente advertirla del peligro que corre. Su único medio de comunicación es una alocada vidente.

LOVE STORY - 1970 - ARTHUR HILLER.

2008-02-14T04:36:00.000-08:00

Love Story (1970)

Si lo que deseas es que tu ser amado llore de emoción, este clásico es la forma más elegante de conseguirlo.

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Título original: "Love story"
País y año: EE.UU. (1970)
Género: Animación
Duración: 90'
Director: Arthur Hiller
Actor / Actriz: Ray Milland, Tommy Lee Jones

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La novela de Erich Segal Love Story era una historia ligera sobre el fatídico romance entre un joven adinerado y una mujer de clase media. El tratamiento cinematográfico que hizo el director Arthur Hiller del original borró sus tintes de telenovela y la convirtió en un clásico de su género.

Ryan O'Neal interpreta a Oliver Barratt IV, un acomodado estudiante que llega a Harvard para estudiar derecho y se enamora de una estudiante de música de Radcliffe, Jenny Cavilleri (Ali McGraw), el fruto despreocupado y deliciosamente profano de una familia trabajadora italoamericana. El padre de Oliver (Ray Milland) desaprueba tajantemente el matrimonio subsiguiente y retira la asignación a su hijo. A pesar de sus dificultades financieras, la pareja es sumamente feliz.... hasta que a Jenny le diagnostican una de esas convenientes enfermedades de las películas que condenan a la víctima a una muerte temprana, pero que deja a la susodicha víctima con un aspecto impecable incluso al borde de la eternidad.

"Amar significa no tener que decir nunca lo siento", puede sonar a sermón más bien cursi, pero en el contexto de Love Story estas palabras tienen una cualidad casi poética. La desafortunada consecuencia de esta película enormemente exitosa es que serviría de inspiración a una abominable segunda parte: La historia de Oliver.

NOTTING HILL - ROGER MICHELL

2008-02-14T04:34:00.000-08:00

Notting Hill (1998)

Una comedia romántica ambientada en Londres

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Título original: "Notting Hill"
País y año: EE.UU. (1998)
Género: Comedia
Duración: 118'
Director: Roger Michell
Reparto: Hugh Grant, Julia Roberts, Hugh Bonneville, James Dreyfus, Rhya Ifans, Tom Mclnnemy, Gina McKee

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William Thacker es dueño de una pequeña librería de guías de viaje al borde de la quiebra y sita en Portobello Road, una de las calles más populosas del barrio londinense de Notting Hill. Divorciado y un poco patoso, comparte piso con Spike, un joven zarrapastroso

TITANIC- 1997- JAMES CAMERON.

2008-02-14T04:33:00.000-08:00

Titanic (1997)

Si el hundimiento del Titanic fue un drama por sí solo, casi más dramática es la historia de este amor imposible entre Jack y Rose. Una historia intensa y apasionada que se convierte en un amor eterno

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Título original: "Titanic"
País y año: EE.UU. (1997)
Género: Drama
Duración: 183'
Director: James Cameron
Reparto: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Frances Fischer, Bernard Hill, Jonathan Hyde, Danny Nucci, David Warner, Bill Paxton, Gloria Stuart

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Durante las labores de recuperación de los restos del famoso trasatlántico Titanic, una anciana norteamericana se pone en contacto con la expedición para acudir a una plataforma flotante instalada en el Mar del Norte y asistir in situ a la recuperación de sus recuerdos.

A través de su memoria reviviremos los acontecimientos que marcaron el siniestro más famoso del siglo XX: el hundimiento del trasatlántico más lujoso del mundo, la máquina más sofisticada de su tiempo, considerada insumergible, que sucumbió a las heladas aguas del Atlántico en abril de 1912, llevándose consigo la vida de 1.500 personas, más de la mitad del pasaje. En los recueros de la anciana hay cabida para algo más que la tragedia, la historia de amor que vivió con un joven pasajero de tercera clase, un pintor aficionado que había ganado su pasaje al ganar a las cartas en una taberna de Southampton.

SHAKESPEARE IN LOVE- John Madden.

2008-02-14T04:31:00.000-08:00

Shakespeare in Love (1998)

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Título original: "Shakespeare in love"
País y año: EE.UU. (1998)
Género: Histórica
Duración: 118'
Director: John Madden
Reparto: Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Colin Firth, Geoffrey Rush, Judi Dench

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La historia se encuadra en el verano de 1593, época en la que William Shakespeare comienza a sufrir un bloqueo en su producción literaria debido a la falta de inspiración. En busca de una musa conoce casualmente a Lady Viola, una joven y rebelde aristócrata empeñada en interpretar las obras del autor, objetivo este que llevará a la protagonista a hacerse pasar por hombre.

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AMERICAN BEAUTY - SAN MENDES.

2008-02-14T04:30:00.001-08:00

American Beauty (1999)

Lester Burnham, un cuarentón en crisis, cansado de su trabajo y de su matrimonio, despierta de su letargo cuando conoce a la amiga de su hija, a la que intentará impresionar a toda costa.

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Título original: "American Beauty"
País y año: EE.UU. (1999)
Género: Comedia
Duración: 120'
Director: Sam Mendes
Reparto: Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch, Wes Bentley, Mena Suvari

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En esta película, el retrato perfecto del lado oscuro de una familia americana, Kevin Spacey interpreta a Lester Burnham, un hombre de mediana edad que está viviendo una profunda crisis vital: está convencido de que ya no tiene ninguna razón para vivir.

La relación de Lester con su esposa Caroline (Annette Bening) no está en su mejor momento; aunque en la superficie Caroline se esfuerza por aparentar que es capaz de controlar su vida, en el fondo se siente sola y desesperada. Jane (Thora Birch), su hija adolescente, está siempre deprimida, no tiene ningún orgullo y está convencida de que no es atractiva en absoluto. Todos estos problemas se ven agravados por su mejor amiga Angela (Mena Suvari), una hermosa muchacha que quiere ser modelo y que piensa que su belleza es todo el valor personal que necesita.

Jane no es la única que se ha dado cuenta del atractivo de Angela: Lester siente un deseo incontrolable por ella y la muchacha entra a formar parte de su plan por cambiar su físico y su vida. Mientras tanto, en otro hogar del mismo vecindario, el coronel Fitts (Chris Cooper) ha pasado toda su vida en los marines y no puede ni entender ni tolerar ningún otro estilo de vida, lo que hace todo muy difícil para su hijo Ricky (Wes Bentley), aspirante a cineasta y vendedor de drogas ocasional, obsesionado con la belleza en todas sus formas.

American Beauty fue merecedora a cinco Oscares de la Academia en las categorías de: Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Fotografía, Mejor Dirección y Mejor actor principal para Kevin Spacey.

CUANDO HARRY CONOCIÓ A SALLY - ROB REINER

2008-02-14T04:27:00.000-08:00

Cuando Harry conoció a Sally (1989)

Nada más que por la famosa y divertida escena del restaurante, "Yo quiero lo que está tomando ella", ya vale la pena ver esta película. Si estas casado con tu mejor amigo o amiga, si quieres ver la mejor película de Meg Ryan o si te gustan las buenas comedias románticas, te va a gustar este filme sobre las relaciones entre los hombres y las mujeres. Sus mejores puntos son su inteligente diálogo, la evolución de sus personajes y la excelente calidad de los actores.

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Título original: "When Harry Met Sally..."
País y año: EE.UU. (1989)
Género: Comedia
Duración: 91'
Director: Rob Reiner
Reparto: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby, Lisa Jane Persky

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Harry Burns y Sally Albright se conocen fortuitamente cuando ella se ofrece para llevarle en su coche hasta la ciudad, entablan una conversación sobre la amistad entre personas de diferente sexo; la conversación acaba en discusión, pero entre ellos nace algo muy especial. Son un hombre y una mujer que se han pasado mucho tiempo intentando averiguar cómo seguir siendo amigos. Sin embargo, Harry tiene una firme creencia: que dos personas de sexo opuesto no pueden ser simplemente amigos, la relación siempre acaba en la cama o en el altar.

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EL PADRINO - TRILOGÍA DE FRANCIS FORD COPPOLA.

2008-02-14T04:26:00.001-08:00

TRILOGIA EL PADRINO
Fecha del comentario: 5/11/2001 Música de fondo: Tema principal de EL PADRINO.

TITULO: El padrino, El padrino parte II, El padrino parte III
TITULO ORIGINAL: The godfather, The godfather part II, The godfather part III
PRODUCTORA: Paramount Pictures
PRODUCTOR: Albert S. Ruddy; Francis Ford Coppola, Gray Frederickson, Fred Roos, Francis Ford Coppola, Gray Frederickson, Fred Roos, Charles Mulvehill
DIRECTOR: Francis Ford Coppola
INTERPRETES: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard Castellano, Robert Duvall, Sterling Hayden, Diane Keaton, Talia Shire, John Cazale, Simonetta Stefanelli; Al Pacino, Robert Duvall, Diane Keaton, Robert De Niro, Talia Shire, John Cazale, Lee Strasberg; Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy Garcia, Eli Wallach, Joe Mantegna, George Hamilton, Bridget Fonda
GUION: Mario Puzo, Francis Ford Coppola
MUSICA: Nino Rota; Nino Rota, Carmine Coppola; Carmine Coppola, Nino Rota
FOTOGRAFIA: Gordon Willis (Color)
MONTAJE: William H. Reynolds, Peter Zinner, Marc Laub, Murray Solomon; Peter Zinner, Barry Malkin, Richard Marks; Barry Malkin, Lisa Fruchtman, Walter Murch

El padrino:

Basadas en la novela de Mario Puzo El padrino, Francis Ford Coppola rueda dos indiscutibles cimas dentro de la historia del cine, El padrino y El padrino parte II.

El padrino estuvo nominada para 10 Oscars de la academia, de los que obtuvo 3 de ellos: mejor película, mejor actor (Marlon Brando), mejor guión adaptado (Francis Ford Coppola, Mario Puzo). Salió derrotada en las siguientes categorías: mejor actor secundario James Caan, Robert Duvall, Al Pacino (ganador Joel Grey por CABARET), mejor director Francis Ford Coppola (ganador Bob Fosse por CABARET), mejor montaje William Reynolds, Peter Zinner (ganador David Bretherton por CABARET), mejor diseño de vestuario Anna Hill Johnstone (Anthony Powell por VIAJES CON MI TIA), mejor sonido (CABARET).

Como dato curioso de la ceremonia de entrega de los Oscars de ese año diremos que la película galardonada a la mejor banda sonora fue CANDILEJAS de Charles Chaplin, una banda sonora compuesta por Charles Chaplin, Raymond Rasch y Larry Russell, rodada en 1952, pero que obtuvo el Oscar correspondiente al año 1972 porque la película se estrenó en Los Angeles nada menos que con 20 años de retraso. Además, en esa categoría estuvo nominado también Nino Rota por El padrino, aunque con posterioridad le eliminaron esa nominación porque se descubrió que la banda sonora de El padrino era igual a la que compusiera años atrás el mismo Rota para FORTUNELLA 1958. Pero como dice el propio Coppola, copiarse a uno mismo no está tan mal.

Aunque parezca lo contrario por el tremendo éxito que ha cosechado la película, El padrino se rodó con muy pocos medios, lo que acarreó en alguna ocasión problemas para un Coppola que al estar empezando en esto del cine, se llevó una primera impresión muy dura de lo que es rodar una película. Estuvieron a punto de echarle nada más comenzar la producción, y como él mismo dice, fue una especie de milagro el que aguantara, sobre todo, esas primeras semanas de rodaje.

Una de las bazas primordiales en el éxito de la película es el impresionante reparto que consiguió reunir Coppola.

En cabeza el mismo Marlon Brando interpretando el papel de Vito Corleone, capo al frente de una de las mayores familias de la mafia en Nueva York. Su interpretación es impecable, no solo se caracterizó añadiéndose un montón de años a la perfección (recordemos que tras esta película rodaría EL ULTIMO TANGO EN PARIS, en donde aparecía muchísimo más joven), sino que adoptó un acento que él mismo ideó para dar mayor solemnidad y presencia a su personaje. A partir de esta película infinidad de actores que interpretan a mafiosos han adoptado esta forma de hablar.

La lucha de Coppola con Paramount para que contrataran a Brando fue muy dura ya que no lo querían ni en pintura. De hecho cobró un salario casi irrisorio, motivo por el que acabó muy molesto con Paramount.

James Caan (Sonny) es uno de los hijos de Vito Corleone, el elegido para suceder al propio Vito cuando llegue el momento. Su interpretación como Sonny Corleone es también excelente y su caracterización tiene mucha fuerza e intensidad (¿lo recordáis como Mississippi en EL DORADO de Hawks?), con momentos memorables como la paliza que le da a Carlo Rizzi, o el acribillamiento al que le someten en el puente.

Al Pacino es otro de los hijos, Michael Corleone. En principio un héroe de guerra que no quiere saber nada de los negocios turbios de su padre y pretende mantenerse siempre al margen, pero que poco a poco se va involucrando para proteger a la familia de sus enemigos, hasta el punto de convertirse en el nuevo Don.

El tercer hijo, Fredo, es interpretado magníficamente por John Cazale. A pesar de ser mayor que Michael, Fredo no está preparado para asumir una posición de poder, y eso le hace sentirse continuamente humillado. A lo largo de las dos primeras películas la interpretación de Cazale es extraordinaria, dándole a su personaje una gran dosis de humanidad y sensibilidad. No se me ocuure otro actor que lo hubiese hecho mejor.

Talia Shire es la única hija de Vito Corleone (también es la hermana de Coppola en la vida real), y aunque no es lo mejor de la película, va mejorando sus prestaciones a medida que avanza la historia, a través de la experiencia su confianza aumenta, y en la segunda parte de El padrino se desenvuelve muchísimo mejor con su personaje que en la primera.

Robert Duvall (Tom Hagen), es el ahijado de Vito y consegglieri de la familia Corleone, además de abogado y hombre de total confianza. Su actuación, sobria y convincente, es un factor muy importante a la hora de conseguir la sensación de unión en torno a la familia y la lealtad a la misma como forma de vida. Se le hecha mucho en falta en la tercera entrega.

Diane Keaton es la actriz perfecta para interpretar a Kay, su interpretación algo extravagante y desenfrenada sobre todo en la primera parte de El padrino, va tornándose seria y amargada a medida que transcurre la película y sobre todo en El padrino parte II.

De la película en sí, destaca por encima de todo el ritmo tan perfecto que mantiene el guión de principio a fin. Las situaciones varían con maestría desde la tensión, a la explosión brutal de violencia. Prueba de ello es que las escenas que más recordamos después de haberla visto son las más violentas, sobre todo las muertes de Luca Brassi cuando le clavan la mano a la mesa al descubrir que es un espía, la antes comentada de Sonny (homenaje de Coppola a Arthur Penn y su película Bonny and Clyde), y como no, el asesinato de Sollozzo y McCluskey ejecutado por Michael en el restaurante. Parece increíble que estuvieran a punto de contratar a un director de escenas de acción porque la que se veía en la película no les parecía suficiente a los directivos de Paramount, ¿verdad?.

Aunque la tensión es continua durante toda la película, no es bueno dejar al espectador sin algún momento de "reposo", por ese motivo Coppola se recrea tanto en el exilio de Michael en Sicilia, para relajar la tensión, y además servir de contrapunto para conseguir un mayor efecto dramático en el futuro. Pero este relax no se convierte en algo tedioso y aburrido como ocurre en tantas ocasiones, sino que Coppola despliega todo su talento para filmar unos planos de tanta belleza que nos dejarán huella durante toda la película. Acompañado por la magnífica banda sonora compuesta por Nino Rota para este exilio Siciliano, las escenas en las que se mueven (Michael y los dos guardaespaldas) por las escarpadas montañas o cuando Michael sale a pasear con Apollonia (con todo el séquito tras ellos), se convierten en experiencias tan vitales, reales y conmovedoras que no podría decir que la escena más famosa de la película (Michael asesinando a Sollozzo y McCluskey en el restaurante) me guste más que esos paseos aparentemente de relleno. Una vez más el contrapunto, secuencias en las que experimentamos una explosión de vitalidad, pero que como no, terminan con otra explosión, esta vez de muerte, la de Apollonia.

Otra escena culminante en la película es la que tiene lugar cuando Michael se involucra en los problemas de la familia y planea el asesinato de Sollozzo y McCluskey. En ese momento se convierte en un verdadero Corleone, y para plasmarlo, Coppola va utilizando un zoom muy lento y continuado, acercándose más y más a Michael, de este modo, a medida que aumenta su implicación a la familia, se va engrandeciendo también su tamaño ante la cámara.

La fotografía de Gordon Willis es otra de las bazas con las que contó Coppola, introduciendo una atmósfera sombría por momentos (en las reuniones mafiosas, en donde casi todo es secreto, falso e ilegal), pero a su vez es de una gran luminosidad en las fiestas por ejemplo, manteniendo así un contraste muy revelador entre la vida familiar y los negocios.

El padrino parte II:

Esta segunda parte estuvo nominada para 11 Oscars, de los que obtuvo 6: mejor película, mejor director (Francis Ford Coppola), mejor guión adaptado (Francis Ford Coppola, Mario Puzo), mejor actor secundario (Robert De Niro), mejor banda sonora dramática (Carmine Coppola, Francis Ford Coppola), mejores decorados (Angelo P. Graham, George R. Nelson, Dean Tovoularis). Salió derrotada en las siguientes categorías: mejor actor principal Al Pacino (ganador Art Carney por HARRY Y TONTO), mejor actor secundario Michael V. Gazzo, Lee Strasberg, mejor actriz secundaria Talia Shire (ganadora Ingrid Bergman por ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS), mejor diseño de vestuario Theadora Van Runkle (ganador Theoni V. Aldredge por EL GRAN GATSBY).

La segunda parte de El padrino, utiliza una estructura narrativa separada temporalmente entre la historia actual de Michael Corleone y por otro lado la historia de Vito Corleone, desde que era un niño en Sicilia hasta que se convierte en un mafioso en su época de juventud ya en América.

Los personajes que aparecen en la primera entrega, salvo los que murieron claro, están presentes también en esta segunda parte, a excepción de Richard Castellano (Clemenza) con el que según el mismo Coppola no llegaron a ningún acuerdo porque pretendía que un amigo suyo revisase y escribiese sus líneas de guión, con lo que obviamente Coppola no podía transigir.

Las bajas de James Caan y Marlon Brando son suplidas por un excepcional Robert De Niro que hace olvidar por completo las ausencias sin que se cree ningún vacío. Es más, algunos de los mejores momentos de la película son los que cuentan la historia del joven Vito Corleone, desde su llegada a América (¡qué planos tan emotivos!), su significativo encuentro con Clemenza que supone el inicio a sus experiencias al margen de la ley, y por supuesto la genial secuencia (perfecta por su planificación e intensidad creciente) de la persecución y el asesinato de Gastone Moschin (Fanutti). Es más, en esta primera parte de la historia se incluye una escena absolutamente brillante que a veces pasa desapercibida, De Niro sale de la tienda donde trabaja para iniciar el reparto y la cámara de manera muy precisa gracias a una perfecta planificación del plano lo va siguiendo por la calle detrás de él, entre la gente y los coches, mostrando la magnífica ambientación de Dean Tavoularis que da una sensación de realidad tan grande que nos transporta de lleno a esa época. Toda la escena, unida a la sensacional partitura de Nino Rota nos deja una sensación de tremenda melancolía, algo así como estar viendo los buenos aunque duros momentos de la legalidad que ya no volverán jamás. La escena es de una sencillez aplastante, pero es muy útil porque ayuda a humanizar al personaje de Vito Corleone encarnado por De Niro. Aunque escenas como esta pasen desapercibidas en algunas ocasiones, son tan intensas e interesantes como complicadas de realizar para el diseñador de producción, ya que tiene que hacer un gran esfuerzo para conseguir la máxima credibilidad, aunque al final, si el final es como en esta ocasión, todo ese esfuerzo merece la pena.

En cuanto al ritmo en el desarrollo de la película, yo diría que es aún más uniforme en esta segunda parte que en la primera, dando un mayor equilibrio todavía, si es que eso era posible. Para mí, esta segunda parte es mejor que la primera en muchos aspectos, lo cuál, teniendo en cuenta la categoría de la primera es muy pero que muy meritorio.

Las tensiones entre los distintos grupos mafiosos por hacerse con el control se ven incrementadas por las traiciones dentro de la misma familia. De aquí se derivan unas secuencias magníficas, como en la que Michael descubre en La Habana que su hermano Fredo le ha traicionado, pero sobre todo la secuencia final en la que Michael se venga de Fredo tras haberle perdonado ante el grupo familiar dándole un abrazo durante el entierro de su madre. Al darle ese abrazo asistimos por una parte a la sentencia de muerte de Fredo (Michael no puede perdonar lo que le ha hecho su hermano, la mirada entre Michael y el encargado de matar a Fredo durante ese abrazo es reveladora), y por otra parte Michael alivia el peso que oprime el alma de Fredo dándole el perdón, de esta manera su hermano muere, pero lo hace después de haber encontrado la paz (es asesinado tranquilamente mientras pesca).

Fijaros en un detalle, durante la reunión en La Habana con los dirigentes cubanos, les pasan un teléfono de oro macizo que va pasando mano por mano por cada uno de los asistentes a la reunión, y todos ellos se muestran intrigados por el peso del teléfono, todos excepto dos, Michael y Pentangeli que no demuestran ningún interés, para ellos lo importante en La Habana está aún por llegar y no tiene nada que ver con esa reunión.

La fotografía, también a cargo de Gordon Willis, es muy similar a la de la primera parte, aunque en la parte de los primeros años de Vito Corleone hay una mayor tendencia hacia la utilización de unos tonos más marrones y apagados para resaltar una época en la que Vito pasó dificultades pero en la que todo era aún honrado y legal, dando una sensación nostálgica de unos años que ya no volverán, no existían todavía esos contrastes entre el amor de la familia (luminosidad de las fiestas) y la crueldad de los negocios (tonos casi negros en las reuniones en los despachos).

El Padrino parte III:

La tercera parte de El padrino estuvo nominada para 7 Oscars, de los que no obtuvo ninguno: mejor película (ganadora BAILANDO CON LOBOS), mejor director Francis Ford Coppola (ganador Kevin Costner por BAILANDO CON LOBOS), mejor actor secundario Andy García (ganador Joe Pesci por UNO DE LOS NUESTROS), mejor fotografía Gordon Willis (ganador Dean Semler por BAILANDO CON LOBOS), mejor montaje Lisa Fruchtman, Barry Malkin, Walter Murch (ganador Neil Travis por BAILANDO CON LOBOS), mejores decorados Gary Fettis, Dean Tavoularis (ganadores Richard Sylbert, Rick Simpson I por DICK TRACY), mejor canción Carmine Coppola (música), John Bettis (letra) (ganador Stephen Sondheim por DICK TRACY).

La tercera entrega nos deja, al contrario que las otras dos, una sensación de vulgaridad impensable, no conserva ni una de las cualidades de las anteriores, es más “blandita”, no mantiene la tensión en ningún momento, y además esa línea narrativa tan uniforme en las dos películas anteriores se vuelve discontinua y por momentos tediosa. Si en las anteriores entregas había momentos más distendidos (que no aburridos) en donde se relajaba un poco la tensión en favor de un mayor ensalzamiento de los sentimientos a través de la belleza de los planos (escenas tanto o más interesantes que las más espectaculares), en esta parte hay también momentos (muchos) descargados de tensión, pero por el contrario no encontramos en ellos belleza alguna.

Cómo no estar molesto cuando a dos películas tan extraordinarias se les pone un broche de “oro” (chapado sin duda) tan poco convincente. Lo peor de todo es que Coppola tenía que saber de sobra lo que tenía entre manos cuando elaboró el guión, así que me pregunto ¿por qué empezó el rodaje con un material tan inferior al de las anteriores entregas?. Bueno, la verdad es que no hace falta preguntárselo, ya que el mismo Coppola nos explica que tras el fracaso de su película CORAZONADA se vio en la necesidad económica de rodar esta tercera parte, ya que la oferta que le hizo Paramount fue muy generosa.

A parte de los defectos del guión, el reparto tampoco está a la altura de los anteriores. Respecto a las precedentes faltan por ejemplo Robert Duvall y Robert De Niro. Al Pacino, a pesar de ser un buen actor, no aguanta por si solo el peso de la película.

Andy García se desenvuelve bastante bien, pero por el contrario Sofía Coppola no aporta nada de interés. En fin, muchas, muchísimas lagunas en una película de la que se esperaba mucho más. Puede que sea algo duro con la película por el hecho de ser una continuación de dos trabajos anteriores, y seguramente no tendría que hacer las comparaciones, pero es algo que no se puede evitar.

Pero a pesar de todo lo dicho sobre esta tercera parte, hay que reconocer que la escena final con Al Pacino llorando ante el cuerpo sin vida de su hija es muy conmovedora y tiene una carga dramática muy grande, sus gritos con el sonido eliminado en el montaje te dejan de piedra ante su tremendo sufrimiento. En fin, cuando hay talento (y Coppola lo tiene) en algún momento ha de surgir.

Como datos curiosos podemos decir que Sofía Coppola no solo aparece en El padrino III, sino que también lo hacía en El padrino, ya que el hijo de Michael que era bautizado era ella misma. Otro de los hijos de Coppola también intervino en El padrino II, interpretando al hijo de De Niro, Sonny Corleone. Además su madre también apareció en algún momento, lo que unido a Talia Shire, y otros tantos familiares que hicieron de figurantes, debió abaratar un tanto la producción, o por lo menos incrementar los ingresos de su familia. Por si fuera poco su padre colaboró con Nino Rota en las distintas bandas sonoras durante la saga.

El rodaje de El padrino se efectuó en 62 días, en tanto que para El padrino parte II fueron necesarios 104.

El personaje interpretado por Al Martino (Johnny Fontaine) está inspirado en un personaje real. ¿Os suena la historia de un cantante y actor relacionado con la mafia que tras haber sido una estrella cae en el olvido y tiene la oportunidad de volver al estrellato si obtiene un papel que está hecho a su medida?. Pues si, está inspirado en la vida de Frank Sinatra y en su participación en la película DE AQUÍ A LA ETERNIDAD. Lo que sucedió en la realidad puede que nunca lo sepamos, pero el hecho es que a Sinatra no le gustó nada que Puzo incluyera a este personaje en el libro y luego en la película. Esta alusión a su persona hizo que pillase un cabreo impresionante.

Coppola pretendía que la tercera parte de El padrino se denominase La muerte de Michael Corleone y no El padrino parte III, seguramente no querría manchar el nombre de la saga con un producto que no estaba a la altura, sin embargo Paramount no estaba por la labor, ya que la tercera parte de dos grandes éxitos anteriores tiene más opciones de ser taquillera.

Uno de los ayudantes de Coppola en la primera entrega fue nada más y nada menos que George Lucas, que le ayudó en la filmación de alguna toma (los planos de los titulares de los periódicos por ejemplo), y además le ayudó a rescatar material desechado anteriormente para completar algunas escenas.

EL DVD

El padrino.

Imagen:

Empecemos diciendo que aunque no se trate de una restauración de referencia, si que por lo menos está en un estado suficientemente bueno como para considerarla una buena compra.

Las tres películas respetan el formato cinematográfico 1.85:1, y por supuesto son todas anamórficas. Aunque por desgracia, las bandas negras no son muy escrupulosas, ya que en ambas (arriba y abajo) se forma una especie de escalón en la banda negra que no queda excesivamente bien. Habría que haber tenido más cuidado. Se hace perceptible sobre todo en televisores 4/3. En los panorámicos 16/9 es posible que pase desapercibido.

La nitidez es bastante buena en todo momento, aunque por el contrario la precisión en los detalles no es del todo adecuada.

Los colores son muy naturales y están perfectamente conservados, nada que reprochar en este sentido. El nivel de detalle en las sombras está bien conseguido y es muy efectivo. El contraste es extraordinario, ofreciendo una nueva dimensión a la película, tanto en los momentos de claridad como en los más oscuros la imagen es fantástica. En las secuencias oscuras puede dar la impresión de una baja visibilidad, pero se debe al trabajo fotográfico de Gordon Willis y no a una mala restauración.

La nieve en la imagen, aunque no es exagerada está presente a lo largo de toda la película. En algunos momentos el grano es ligeramente excesivo, aunque en esta primera entrega no es un problema en absoluto. No hay artefactos indeseables en el master.

La transferencia a DVD presenta algún problema, sobre todo un exceso de alisamiento en la imagen que es constante a lo largo de toda la película, aunque tampoco es exagerado en absoluto. Hay algo de pixelización por momentos, y está presente en las tres entregas, aunque en la tercera es menos problemático.

Los defectos de edge enhancement (Fallo en la representación del borde de los objetos debido a una falta de precisión en los detalles) son constantes a lo largo de las tres entregas, si bien en la tercera parte es más comedido.

Sonido:

Presentado en Dolby Digital 5.1 en inglés y mono en español.

La versión original ha sido restaurada espléndidamente, recuperando todos los matices posibles tanto de la banda sonora como de los diálogos. Los diálogos son claros y precisos, no hay defectos en el sonido y la riqueza tonal es muy buena, conservando a la perfección los distintos acentos de cada personaje. Los efectos de sonido son también muy efectivos y convincentes.

La banda sonora juega un papel muy importante en la película, y afortunadamente su restauración ha sido muy buena, ofreciendo una gran amplitud que te sumerge de lleno en la trama. No hay rudos de fondo de ningún tipo.

En lo referente a la versión doblada decir tan solo que es una verdadera birria. No tiene presencia alguna, los efectos sonoros son mediocres y aparecen distorsiones en algunos momentos. Hay un considerable ruido de fondo. Básicamente se trata de un sonido similar al de una cinta VHS. No se ha restaurado en absoluto. La banda sonora en comparación con la de la versión original suena de pena. Como único dato positivo podemos decir que los diálogos se entienden perfectamente. Una mediocridad imperdonable de Paramount.

La película viene en un DVD 9, y el cambio de capa se produce en un momento poco problemático (92 minutos y 41 segundos).

El padrino parte II.

Imagen:

En términos generales podemos decir que la imagen es casi idéntica a la de la primera parte, eso sí, con algunos matices:

Por una parte el grano está más presente en esta segunda parte, pero sin embargo los colores son más vivos. El contraste es también algo superior, y la luminosidad en los momentos de más claridad presenta una mayor calidad visual en términos generales. También tenemos el mismo efecto de alisamiento en la imagen, aunque menos frecuente. En términos generales, y tras estudiar las dos partes de El padrino podemos concluir que entre las ventajas y los inconvenientes de una y otra tenemos dos restauraciones de imagen similares.

Sonido:

Presentado en Dolby Digital 5.1 en inglés y mono en español.

La versión original, como en el caso de la primera parte de El padrino es extraordinaria, todo lo que dije para la primera parte perfectamente se puede aplicar a esta segunda. Impresionante trabajo con el sonido, una vez más.

La versión en español es, de nuevo, una birria en comparación con la original. No se ha restaurado en absoluto. Eso sí, es ligeramente mejor que la de la primera parte y contiene algo menos de ruido de fondo, no obstante la mejora no es suficiente. Mediocridad pura y dura.

La película viene presentada en dos discos, el primero de ellos es un DVD 9 con un cambio de capa es mejorable pero tampoco molesta mucho (62 minutos y 56 segundos). El cambio al segundo disco se produce en un momento perfecto (121 minutos y 10 segundos), de modo que no molesta en absoluto el cambio del disco. El segundo disco debe ser un DVD 5 porque no recuerdo ningún cambio de capa.

El padrino parte III.

Imagen:

De las tres entregas es ésta la que presenta una calidad superior, aunque manteniendo una línea de similitud con las otras dos.

Además de ofrecer un contraste muy bueno, mantiene la calidad de los colores muy constante con respecto a las anteriores entregas. La nitidez es ligeramente mejor que en las anteriores y hay una ligera mejora en la definición de la imagen (hay que tener en cuenta que es 20 años más moderna). Hay menos grano en la imagen y el efecto de alisamiento es mucho menor que en las ocasiones anteriores.

Sonido:

Presentado en Dolby Digital 5.1 en inglés y Dolby Surround en español.

Debido a lo reciente del filme, el sonido es realmente bueno en la versión original, ofreciendo una gran fidelidad en los detalles.

Los diálogos son muy efectivos y dan una gran sensación de espacialidad. La banda sonora suena de manera espectacular, ofreciendo una gran amplitud y dinamismo (sobre todo en la fiesta al comenzar la película). Fantástico sonido en la versión original, una vez más.

La versión española es bastante peor que la original, con una presencia menor en todo momento, aunque en esta ocasión la versión doblada tiene una calidad suficiente para lo que es la norma en el doblaje de clásicos así que no defrauda en demasía. Es la única de las tres películas que presenta una calidad de doblaje adecuada.

La película viene en un DVD 9 y el cambio de capa se produce en un momento no demasiado afortunado, pero tampoco tremendamente inoportuno (a los 79 minutos y 51 segundos).

EXTRAS

Un disco completo de extras además de los comentarios en audio para cada película.

Detrás de las cámaras:

- Un vistazo a El padrino. Documental de 70 minutos que trata todos los temas relativos al rodaje de las tres entregas. Subtitulado en español.

- Rodaje en exteriores. Documento de 7 minutos en el que Dean Tavoularis nos cuenta como se diseñó la producción de las tres entregas. Subtitulado en español.

- Libro de notas de Francis Ford Coppola. Unos 10 minutos en los que Coppola nos cuenta como iba desarrollando la idea de lo que iba a ser El padrino. Subtitulado en español.

- La música de El padrino. 5 minutos grabados de una entrevista que mantuvieron Nino Rota y Francis Ford Coppola. Además de una entrevista de 3 minutos con Carmine Coppola. Subtitulado en español.

- Coppola y Puzo frente al guión. Unos 8 minutos en los que Coppola y Puzo nos cuentan cómo se escribieron los borradores y guiones de la trilogía. Subtitulado en español.

- Gordon Willis en la fotografía. 3 minutos y medio con Gordon Willis para que nos explique las técnicas fotográficas empleadas en la saga. Subtitulado en español.

- Storyboards de El padrino parte II. Imágenes fijas de los storyboards.

- Storyboards de El padrino parte III. 3 minutos con imágenes de storyboards acompañados por voces que los van explicando. Subtitulado en español.

- El padrino detrás de las cámaras 1971. 8 minutos y medio de documental sobre el rodaje de El padrino.

Cineastas. Notas en español que incluyen datos biográficos y filmografías de: Francis Ford Coppola, Mario Puzzo, Gordon Willis, Dean Tavoularis, Nino Rota y Carmine Coppola.

Escenas adicionales. En cada una de ellas se nos comenta mediante un texto el lugar cronológico donde estaría ubicada de haber sido incluida en el montaje final. Todas subtituladas en español. Algunas de estas escenas se incluyeron en el montaje cronológica realizado para la televisión. Divididas en cuatro épocas tenemos las siguientes:

- Entre 1892 y 1930. Nueve escenas adicionales.

- Entre 1931 y 1945. Diez escenas adicionales.

- Entre 1946 y 1955. Siete escenas adicionales.

- A partir de 1956. Ocho escenas adicionales.

Arbol genealógico de El padrino. Con los textos explicativos en español.

Galerías:

- Trailers: Trailer para cada una de las tres entregas de El padrino. Sin subtitular en Español.

- Galería fotográfica. Fotos con textos explicativos en español de cada una de ellas.

- Fichero de delincuentes. Fotos individuales con nombre de algunos de los distintos mafiosos de la saga.

- Créditos del DVD. En este apartado tenemos el primer huevo oculto.

- Exito y repercusión. Imágenes de la ceremonia de entrega de los Oscars correspondientes a los años 1972 y 1974 en donde se entregaron algunos de los Oscars a El padrino y El padrino parte II. Concretamente a: mejor película y guión en El padrino y mejor director y película en El padrino parte II. Otro apartado de premios y nominaciones que incluye textos en donde se indican todos los galardones y nominaciones a los Oscars de cada una de las tres entregas. Noticiario de televisión de 1974 en donde Coppola presenta para la televisión la emisión de El padrino mientras se encuentra realizando el montaje de El padrino parte II. Todo subtitulado en español.

A por cierto, en la pantalla de selección de idiomas para los subtítulos de los contenidos adicionales tenemos otro huevo oculto con 45 segundos fantásticos de diferencias entre los distintos idiomas en los que se ha doblado El padrino.

Comentarios en audio de Francis Ford Coppola para cada una de las tres partes de El padrino. Fantásticos, parece increíble la cantidad de cosas que recuerda de los rodajes. Con diferencia el mejor extra de todos los disponibles. Completamente subtitulados en español.

La caja en la que vienen los DVD´s es muy peligrosa para la integridad de los mismos y cuesta mucho sacar el disco. Cada película tiene una caja de cartón individual, además de otra para los extras. Todas juntas se colocan dentro de un estuche que no está mal.

REMASTERIZACION

Imagen: 8.5 (I), 8.5 (II), 8.75 (III)
Sonido: Inglés: 9 (I,II), 9.25 (III)
Español: 5.5 (I), 6 (II), 7.5 (III)
DISTRIBUIDORA: Paramount Home Entertainment
FORMATO: 1.85:1 (16/9)
SONIDO: Dolby Digital 5.1 en inglés (I,II,III), mono en español (I,II) y Dolby Surround en español (III)
SUBTITULOS: Español e Inglés
DURACION: 168 minutos (I), 192 minutos (II), 163 minutos (III)
TIPO DE DISCO: DVD 9 (I), 2 discos DVD 9 (II), DVD 9 (III)
AÑO: 1972 (I), 1974 (II), 1990 (III)

PEDRO LUIS ZARZUELO

larisgoitia@infonegocio.com

LA LEYENDA DEL PERRO AMARILLO

2008-02-12T15:41:00.000-08:00

irector: BYAMBASUREN DAVA
Actores: Batbayar Batchuluun, Nansal Batchuluun, Nansalmaa Batchuluun y Buyandulam Daramdadi
Realizaci?: Co-producción
G?ero: Drama
Clasificaci?: ATP

Duraci?: 90 minutos

Co-producción: Alemania - Mongolia
S?tesis: La hija mayor de una familia nómada de Mongolia. Un día encuentra un pequeño perro mientras recorre la pradera. Cuando lo lleva a su casa, su padre le pide que se desprenda del animal. Contradiciendo las órdenes de su padre, Nansaal conserva al cachorro.

Medio: Ámbito financiero
Calificación: Muy buena

No hay ningún perro amarillo en esta película. El que vemos es más bien blanco, digamos, lo blanco que puede ser un perro dedicado a vagar por los valles inmensos de Altai, entre cabras, ovejas, petisos crinudos, y niñas de piel dura, ropa extraña, risa llana, y temprana experiencia en las labores rurales. La mayor de las niñas lo encontró un día, y se lo llevó a la tienda, porque no tienen casa, tienen una tienda hecha con pieles, y una puerta sacada quién sabe de qué tapera. Pero el padre no quiso saber nada con el perro.

El padre tiene una moto, para ir cada tanto al pueblo. Un día trajo de regalo un caramelo para cada criatura, y un bol de plástico para la madre, que, como no conocía el plástico, lo puso al fuego. Son gente simple, ya se advierte. Nómadas, que van quedando pocos. Viven entre los cerros, bajo un cielo inmenso, y se dan maña para casi todo. Ricos, si se entiende el antiguo refrán español, previo a la sociedad de consumo, «rico no es el que más tiene, sino el que menos precisa».

Bueno, en este caso la niña sólo precisa tener al perro. El padre se niega, por una posible relación del perro con los lobos de la zona. Ahí es donde el animal tendrá que hacer méritos. Y donde la abuela cuenta la leyenda del título, porque hay una leyenda, aunque el título original más bien menciona una cueva. En verdad, tampoco hay una cueva, pero en cambio hay unas cuantas cosas cada vez más difíciles de ver y de entender para nosotros: una sociedad en armonía con la tierra, una familia de buen humor, que disfruta lo que tiene, criaturas que se divierten creando sus propios juguetes, una película simpática, simple, y sentida, para el niño que todos llevan dentro, para los niños que se quejan de llenos, para cualquiera que en el fondo del alma tiene añoranza o curiosidad de una vida distinta, que algunos todavía practican, en lugares lejanos, quién sabe si por mucho más tiempo. En eso, como en todo, la película es honrada. No idealiza, no eterniza. El mundo va cambiando. Autora, Byambasuren Davaa, una joven que ya nos deleitó años atrás con «La leyenda del camello que llora». Esta del perro es todavía más envolvente, y con mayores lucimientos de música y fotografía (rubro a cargo de los coproductores alemanes). La familia que vemos es una auténtica familia de pastores mongoles. No hay actores profesionales, ni falta que hacen en este caso. Ah, otra maravilla: tampoco hay efectos digitales.

Robert Flaherty, Robert Lamorisse, Jorge Prelorán, Byambasuren Davaa, qué hermosa línea media.

Autor: P.S.
Fecha de publicación: 31/01/2008

Medio: Clarín
Calificación: Buena

Los principales aciertos de La leyenda del perro amarillo se dan en el cruce de lo antropológico con lo estético: en el modo, bello y austero, en que la realizadora Byambasuren Davaa (La historia del camello que llora) capta la intimidad de una familia nómade en geografías semisalvajes de Mongolia. Sin altisonancias ni golpes bajos, Davaa -nacida en Mongolia y radicada en Alemania- juega con elementos opuestos y, a veces, complementarios: tradición y desarrollo; asentamiento urbano y nomadismo; nuevas y viejas generaciones; sabiduría ancestral y antiguas supersticiones.

Los Batchuluun son realmente una familia nómade, término que en la Argentina puede ser sinónimo de indigente pero en Mongolia no. O no necesariamente. Ellos llevan una vida más que digna, organizada, pastoril, en algún punto envidiable. La hija mayor, Nansal, va al colegio -se separa del resto por etapas- en una zona urbana. Durante uno de sus períodos junto a su familia, encuentra a un perro en una cueva y se lo queda. Pero su padre no le permite tenerlo: en parte porque teme que atraiga a los lobos que matan a sus ovejas; en parte por superstición. Este es el pequeño centro dramático por el que girarán -discretamente- otros temas, como la filosofía, la religión, la vida y la muerte.

Los Batchuluun, hallazgo de la realizadora, son simpáticos y se mueven -por pericia de la dirección y, en este caso, del montaje- como si no existieran cámaras ni historias que interpretar. En un paisaje imponente, la fuerza poética y antropológica reside en que la familia habita un mundo a punto de desaparecer. Pero Davaa, a diferencia de -digamos- Mercedes Alvarez en El cielo gira, no apostó de lleno a la contemplación de una realidad: eligió incorporarle una "historia" casi con moraleja.

La obligación de resolver el conflicto con el perro, a través del montaje paralelo de la secuencia final, muestra el artificio donde no debería verse: una cosa es borrar límites entre documental y ficción; otra, hacernos sentir frente a un docudrama. Más allá de estos reparos, La leyenda... nos acerca a un (buen) cine que solemos ver sólo en festivales.

Autor: Miguel Frías
Fecha de publicación: 31/01/2008

NÁUFRAGO - ROBERT ZEMMECKIS

2008-02-12T15:37:00.000-08:00

NÁUFRAGO (2001)

Director: Robert Zemeckis.
Intérpretes: Tom Hanks, Helen Hunt, Nick Searcy, Christopher North.

Tras un grave accidente aéreo, un ejecutivo de una empresa de mensajería llamado Chuck Noland (Hanks), metódico laboralmente y meticuloso con el tiempo, tendrá que aprender a soportar su existencia en solitario durante años en una isla desierta dejando atrás a su novia (Helen Hunt) y a su trabajo.
Su nueva ocupación será la de conseguir subsistir a esta aislada situación.

Lo importante en este tipo de películas (las de náufragos) es como sus hacedores arropan el previsible deja vu establecido en las clásicas vicisitudes de supervivencia que rodearán al referido protagonista del naufragio (carencias múltiples, soledad, lucha contra los elementos naturales y ajenos a su entorno más cercano, búsqueda de salvación...) y cómo ese mismo protagonista es dibujado por el guión y reflejado tanto física como emocionalmente por la consiguiente mano directorial.

Esta película demuestra que a pesar de tanta referencia anterior, se puede presentar un trabajo digno sobre la materia destacable en especial por la soberbia interpretación de Tom Hanks.

Aunque Robert Zemeckis y su guionista William Broyles podrían establecer, partiendo de la singularidad del infortunado Noland en su sistemática laboral, una parábola social crítica con el ritmo de vida moderna occidental, alienador del propio individuo que se ve engullido en una maquinaria ultrareglada y cronométrica; "Náufrago" sorprende por su notable capacidad de mantener interesado al espectador con las andanzas de un solo personaje en un único escenario, fundamentado en la extraordinaria capacidad interpretativa de Hanks y en la adecuada modulación en la realización de Zemeckis, que traslada elogiosamente a las imágenes el sentimiento necesario para su contenido (la esencia del buen cine), sea éste de corte aventurero, romántico o humorístico.
Atención al "actor mudo" Wilson, protagonista de varias de las mejores escenas del film, un film que afronta en su progresión dramática temas como la necesidad ineludible de la relación social, la disposición de sacrificio para la consecución de fines o la imprevisibilidad del caprichoso destino, siempre presentado con tintura optimista.

Enlaces

Robert Zemeckis
Tom Hanks
Helen Hunt

CASABLANCA - Michael Curtiz.

2008-02-12T15:36:00.001-08:00

CASABLANCA

Estados Unidos, 1942

Dirigida por Michael Curtiz, con Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Claude Rains, Paul Henreid.

Es probable que la Warner, a comienzos de los ’40, no sospechara siquiera que esta película, lejos de ser una más de la producción serial, se convertiría en una de las más hermosas, recordadas y valoradas de la historia.

Todos saben algo de Casablanca, la hayan visto o no. ¿Quién no conoce su final subversivo, opuesto a lo que mandan las convenciones de las películas de amor? ¿Alguien ignora la melodía de El tiempo pasará, entonada por Sam a pedido de Ilse (Ingrid Bergman) –que, dicho sea de paso, nunca dice "Tócala de nuevo" –? ¿Existe una persona que no sepa que durante el rodaje no se conocía el final de la historia porque el guión se hacía sobre la marcha, democráticamente, con todos los escritores de la Warner aportando sus propios diálogos?

Casablanca es una de esas películas que uno puede ver dos, tres, cinco o diez veces, y aún sigue asombrando. Michael Curtiz era un genio que podía compartir el trono que sus compatriotas (Ford, Hawks, Capra) supieron conseguir. Su puesta en escena es sutil, inteligente y precisa. ¿Cómo no sentir un inmenso placer cuando el avión que parte hacia la libertad sobrevuela el café de Rick, en los primeros minutos de la película? Curtiz nos está diciendo todo. Rick (Humphrey Bogart) es la libertad. La de todos menos la suya propia, porque como le dice su adversario en el amor de Ilse, Víctor Laszlo, "cada uno debe aceptar su destino, sea bueno o malo".

Por donde se la mire, Casablanca es admirable. El cooperativo guión, la iluminación, el montaje, la música y hasta el vestuario están puestos (por azar o intencionadamente) a disposición de esta historia de amor, honor y lealtad. A Curtiz le alcanza con la cámara para decirnos casi todo sobre Rick. Registra su poder en esa mano que firma autorizaciones antes de mostrarnos la cara del héroe. Nos enfrenta a su soledad: el cigarrillo, ese partido de ajedrez sin contrincante, su vaso de bebida. Y luego, levanta la cámara y Rick, ese maravilloso Humphrey Bogart, aparece ante nosotros para convertirse, a la par de Curtiz, en Casablanca. Bogart demuestra con gestos inolvidables, miradas expresivas y esa entonación tan particular por qué aún hoy es Humphrey Bogart, el único, el más varonil, el mejor.

A pesar de que la historia es conocida, vale la pena revivir ese reencuentro en Casablanca. Una ciudad (del Africa) donde los refugiados europeos de la Segunda Guerra que huyen de los alemanes necesitan llegar para conseguir una visa que los lleve a Lisboa y de allí al soñado paraíso de la libertad: Estados Unidos. Allí reside Rick. Un norteamericano cínico, solitario, duro, que en el fondo, como le dice el prefecto Louis, "es un sentimental". Rick tiene un pasado dudoso y ha decidido terminar sus días en Casablanca, en su bar (Rick’s) y junto a Sam, su amigo pianista negro. Ya no espera nada.

Pero una noche dos hechos cambiarán su vida: Ugarte, un hombre que vende permisos para salir de Casablanca, le pide que custodie los que robó a unos correos alemanes, a los que también asesinó. Esos papeles son el pasaporte abierto para cualquier persona del mundo. Y cuestan millones. Ugarte es detenido en el propio bar de Rick por la policía que busca esos permisos robados. Ugarte pide ayuda a Rick: "No arriesgo mi cuello por nadie", le responde. Y Ugarte muere mientras intenta huir. Minutos después de este hecho, Rick se sorprenderá nuevamente. Ella está en una mesa, al lado del piano de Sam, disfrutando en silencio de aquella canción que fue testigo del amor de ambos: "As Time Goes By".

El momento en que Ilse y Rick se reencuentran es uno de los momentos más conmovedores del cine. Los ojos llenos de lágrimas de la bellísima Ingrid Bergman miran con tristeza y dolor a los de Bogart, incrédulos, alegres, resentidos. Quizá no era necesario ese flashback posterior donde conocemos el comienzo de esta historia de amor, en la París que acababa de ser tomada por los alemanes. Las miradas y las pocas líneas de diálogo de este presente en Casablanca resultan más que suficientes.

"De todos los cafés que hay en el mundo, ella tuvo que venir al mío", dice borracho Rick, cuando sólo él y Sam permanecen en el bar cerrado, a oscuras, esa misma noche del reencuentro.

Todo sucede en un par de días. Ilse no está sola en la ciudad. Acompaña a su marido checo, un importante líder de la Resistencia llamado Víctor Laszlo (Paul Henreid), quien necesita salir de Casablanca y llegar a Estados Unidos. De su partida dependen la vida y la libertad de miles de personas. Pero Laszlo está acorralado y Rick es el único que tiene los permisos que pueden salvarlo. Lo que le impide ser generoso es que está enamorado de la mujer de Laszlo.

En esta lucha por la libertad y el amor, Ilse le pedirá a Rick, a quien aún ama apasionadamente, que decida por todos. Y Rick lo hace en ese gesto magnánime y heroico que se resume en sus palabras: "No soy muy noble, pero veo que nuestro problema es muy pequeño en este mundo". Ella lo comprende y parte con su marido. Rick arriesgó su cuello por la mujer que ama y por el hombre que admira, a los que ve partir en ese avión rumbo a Lisboa. El, como apresado en su triste destino, se queda en Casablanca. Y se va caminando con Louis, el prefecto de policía, quien le aconseja que huya por un tiempo. Rick cometió varios "delitos" para que Ilse y Laszlo escaparan de Casablanca (amenazó a Louis con una pistola para hacerlo cómplice de la partida, asesinó a un mayor alemán en el aeropuerto, se convirtió en compañero de ruta de Laszlo al contribuir a su lucha). Louis, ese militar corrupto, decide proteger a Rick, quien le dice finalmente la frase más amorosa de toda la película, mientras atraviesan la niebla de Casablanca: "este es el comienzo de una gran amistad".

Obviamente, Casablanca también es una película política. El contexto de la Segunda Guerra y el hecho de que la vereda de enfrente haya estado ocupada por los nazis (y no sólo en la pantalla, sino en la vida real) salva el esquema político que plantea Curtiz. Los alemanes eran los enemigos. Los italianos, chupamedias de los nazis. Los franceses, mayormente confiables. Los americanos, héroes. Estas ideas pueden verse en cada personaje en particular. En la forma en que cada uno es presentado, por lo poco o mucho que dicen y claro, por lo que hacen. Y esa cita a La gran ilusión es una proclama política tan emotiva como la del film citado (Jean Renoir, 1937): entonar la Marsellesa con orgullo para protestar por la soberbia nazi. En el '37, Renoir y Jean Gabin la habían esgrimido contra los germanos de la Primera Guerra. En 1942, Curtiz y Paul Henreid recuerdan ese momento mágico del cine. Y lo hacen de nuevo. Porque los años habían pasado, pero los enemigos no habían aprendido la lección.

Eugenia Guevara

MON MEILLEUR AMI - LECONTE

2008-02-12T13:30:00.000-08:00

TITULO ORIGINAL Mon meilleur ami
AÑO 2006

DURACIÓN 94 min. Trailers/Vídeos

PAÍS
DIRECTOR Patrice Leconte
GUIÓN Patrice Leconte, Jérôme Tonnerre (Idea: Olivier Dazat)
MÚSICA Xavier Dermeliac
FOTOGRAFÍA Jean-Marie Dreujou
REPARTO Daniel Auteuil, Dany Boon, Julie Gayet, Julie Durand, Jacques Mathou, Marie Pillet, Elizabeth Bourgine, Henri Garcin, Jacques Spiesser, Christian Gazio
PRODUCTORA Fidélité Films
GÉNERO Y CRÍTICA

Más información Comedia / SINOPSIS: Un marchante de arte (Daniel Auteuil) hace una apuesta: encontrar al perfecto mejor amigo en un plazo de diez días, o a cambio deberá entregar un valioso jarrón de su propiedad. Así, inicia atropelladamente un casting y termina por elegir a un taxista (Dany Boon), persona entrañable pero algo débil. Con tal de ganar la apuesta, se decide a seducirlo. Pero con la amistad no se juega impunemente… (FILMAFFINITY)
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"Daniel Auteuil y Dany Boon despliegan naturalidad y seducción a pesar de que el guión (...) haga aguas por demasiados de sus flancos. (...) " (Javier Ocaña: Diario El País)
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"Su absurda premisa no impide que se acabe ganando nuestro interés. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Antonio Weinrichter: Diario ABC)
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CAFÉ LUMIERE.

2008-02-12T13:26:00.000-08:00

Café Lumiere
En el Leedor.com
La ciudad de Tokio será una de las protagonistas de Café Lumiere . Un homenaje, además al cine japonés de Ozzy Weyse y Akira Kurosawa.

El sueño, el cuento y los trenes en el cine japonés

Por Micaela Pereira, desde Mar del Plata

Yoko cuenta a su compañero de trabajo, un sueño en el que ella tiene un bebé en brazos al que ve derretirse, y busca entonces si esta relacionado con algún cuento o leyenda japonesa. Estos jóvenes compartirán además, otro objetivo, hallar el "Café Lumiere", lugar donde asistía Ozzy Weyse

A partir de aquí estaremos atentos a todas las piezas que puedan aportar al rompecabezas que los protagonistas intentan componer, desde las costumbres tradicionales japonesas, hasta sus miedos y decisiones, la propuesta es seguir a los protagonistas desde sus viajes por la ciudad.

Se puede apreciar una magistral producción de planos, es impecable el trabajo del director, en cuanto a la presentación de los espacios, ya que nos presenta una escena donde vemos todo en una misma línea y de pronto una ruptura espacial nos pone en evidencia que estamos ante tres espacios diferentes, inclusive su forma de recortar el cuadro, insistente y destacada, con objetos fuera de cuadro que nos obligan a recorrer el espacio de la imagen en movimiento, y a percibir las sutiles detenciones donde nos hallamos frente a una perfecta fotografía, difícil de captar en un primer momento, luego se convierte en un juego a seguir en cada fotograma.

Publicado en Leedor el 15-3-2005

Yoko, una joven escritora japonesa, se hace amiga de Hajime el dueño de una librería de segunda mano. Juntos comienzan a pasar su tiempo en varios cafés de la ciudad. Hajime ama a Yoko en secreto. Sin embargo, Yoko está embarazada de otro hombre. Sus padres están preocupados por su futuro y su decisión de ser una madre soltera.

CríticasLA NACION: Lectores: Otros Medios:
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Título original: Kôhî Jikô
Duración: 103 minutos
Clasificación: Apta para todo público
Género: Drama
Trailer:
Estreno: 13.12.2007
Actor: Hitoto Yo, Asano Tadanobu, Hagiwara Masato, Kimiko Yo y Koyashiba Nenji
Director: Hou Hsiao Hsien
Director de fotografía: Lee Pin Bing
Guionista: Hou Hsiao Hsien y Chu T Ien Wen
Montaje: Liao Ching Song
Música: Inoue Yousui

ALGUIEN TIENE QUE CEDER.

2008-02-12T06:34:00.000-08:00

Alguien tiene que ceder"

Cuando los dos juntos suman
mucho más de 100 años

Harry es un ejecutivo de 63 años que suele salir con mujeres más jóvenes, como Marin, su última conquista. Pero las cosas se le complican cuando sufre un infarto en la casa de la playa de la madre de la chica, una exitosa dramaturga divorciada que deberá cuidar, de mala gana, a este solterón y maniático empedernido.

Con una esperada escena final en París, y ambientada en una linda casa en la playa, con música francesa de fondo, la película "Alguien tiene que ceder", o en inglés "Something's Gotta Give", nos traslada directamente a una historia hiper romántica, con diálogos muy chispeantes y dos actores geniales.

Es una comedia romantica, pero no de aquellas donde los protagonistas estelares son dos jovencitos extremadamente bellos, es decir, lo que estamos acostumbrados a ver. ¡No!, porque en este filme las circunstancias son totalmente distintas, y, lo más importante, reales: se trata del amor que puede surgir entre dos personas adultas.

Nancy Meyer es la culpable. Ella es quien escribió y dirigió este proyecto. Y es que Meyer conoce muy bien los laberintos del corazón que se enredan en la comedia. No por nada estuvo a cargo de los filmes "Lo que las mujeres quieren" y "La pícara recluta", sin contar sus colaboraciones en "Baby Boom" y "El padre de la novia".

Y claro, no se pueden pasar por alto las excelentes actuaciones, partiendo por la de Diane Keaton, que le valió la nominación al Oscar como mejor actriz. Ella lleva en esta carrera ¡tres décadas!, también ha debutado como directora y productora, y ya ganó un Academy Award a la mejor actriz por "Annie", de Woody Allen.

Qué se puede decir de Jack Nicholson a estas alturas. Basta saber que con la nominación por su papel en "Las confesiones de Schmidt" se convirtió en el actor que ha recibido ¡la mayor cantidad de nominaciones al Oscar en la historia!.

A ellos, que son la pareja protagónica, se suma la buenísima aparición de Keanu Reeves, quien después de consagrarse como Neo en la trilogía de Matrix, retoma un rol de joven seductor.

La película trata del romance que surge entre Harry (Nicholson), un popular vividor, y Erica (Keaton), una afamada guionista teatral. Dos personas maduras, totalmente distintas, que por azares del destino se encuentran obligados, en contra de su voluntad, a vivir en la misma casa por unos cuantos días.

"Nunca te he mentido, siempre te he dado mi versión de la verdad"... es una de las tantas frases chispeantes que te harán reír en esta genial comedia.

¡Comienza la historia!

Harry Sanborn es un hombre de 63 años, propietario de una productora de discos de hip - hop, solterón, que sólo sale con mujeres menores de treinta años. De hecho, ama su soltería, ya que le permite conocer mujeres menores para así entablar relaciones superficiales y divertirse un rato.

Y la elegida de turno, es decir, su actual pareja, es Marin (Amanda Peet), hija de Erica Barry (Diana Keaton).

Pero las cosas se complican un poco cuando ambos deciden huir a la casa de la playa de Erica para estar solos y pasar un momento romántico. Oh sorpresa! La mamá de Marin estaba ocupando la casa junto a su hermana, pero las cosas terminan de complicarse cuando Harry comienza a sentir dolores en el pecho y a la madre de Marin, una exitosa dramaturga divorciada, no le queda otra que cuidarlo de mala gana.

Ficha técnica

Titulo original: Somethings gotta Give.

Directora: Nancy Meyers.

Producción: Nancy Meyers y Bruce A. Block.

Música: Alan Silvestri.

Director de fotografía: Michael Ballhaus.

Elenco: Jack Nicholson (Harry Sanborn), Diane Keaton (Erica Barry), Frances McDormand (Zoe Barry), Keanu Reeves (Julian Mercer), Amanda Peet (Marin), Jon Favreau (Leo), Paul Michael Glaser (Dave), Rachel Ticotin (Dr. Martinez).

Duración: 128 minutos.

Año rodaje: 2003

Año de Estreno en Chile: 2004

Género: Comedia, Drama, Romántico

Origen: Norteamericano

Distribuida por: Warner Brothers

¿QUIEN LE TEME A VIRGINIA WOOLF?

2008-02-12T06:29:00.000-08:00

En ¿Quién le teme a Virginia Woolf?” uno se pregunta desde un principio quien es que ha de prevalecer: ¿la prepotente y vitriólica Martha o su marido, el profesor George, un ser casi pusilánime y aparentemente sin garras?. Como en toda pelea sangrienta no hay que apresurarse en descubrir al vencedor, porque en ultima instancia todos pierden en este combate matrimonial a brazo partido que es la pieza de teatro de Edward Albee estrenada en 1962.

Ojala que aquellos espectadores que vean esta nueva y reveladora producción dirigida por Luciano Suardi salgan del Teatro Regina sintiéndose como vencedores, y estremecidos pero conmovidos por la satisfacción que se siente luego de presenciar una gran batalla campal en donde el matrimonio no es mas que un deporte donde no hay ganadores.

Edward Albee templa las aristas vitriólicas y mordaces de esta obra con una mirada llena de compasión y hace que Martha y George, dos personajes que han adquirido el ropaje de dos monstruos freudianos terminen mostrándonos las aristas de dos seres profundamente vulnerables. Al seguir este viaje de un largo día hacia la noche, en la casa de Martha y George en un campus de una universidad de los Estados Unidos, Edward Albee nos presenta una obra maestra en donde se amalgaman los excesos operísticos con las sutiles tensiones de la mejor música de cámara.

Albee no sacrifica ni la intensidad emocional ni el humor que de a momentos es alarmante y abundante y que se manifiesta, a veces, en desesperadas carcajadas que vienen de las entrañas de sus personajes. Tanto Martha, que pelea hasta destruir y devorar a los hombres que se le cruzan, como George el borracho profesor de historia, como Nick el corpulento y joven profesor de biología y como Honey, su mujer, esa ratita angustiada y destruida, formaran parte de los grandes personajes del teatro del siglo XX.

Martha es una criatura asombrosamente espontánea, con una alarmante fuerza de vida mientras que George es un ser contenido, que responde a una estudiada y angular timidez y a una total falta de naturalidad. Martha actúa a partir del instinto, en cambio George vive creando una estrategia tras otra. Pero mientras que ellos entretienen o disecan a sus personajes, a sus invitados y a ellos mismos, el espectador no deja de percibir una reveladora interdependencia. Sus miradas serán penetrantes y brutales en ciertos momentos y en otros calidas y compasivas. No dejaran de controlarse sea para anticipar posibles ataques o para confirmar las existencia de un lazo profundo y muchas veces inexplicable. Se sienten cómodos cuando están mutuamente incómodos en ese opaco e híbrido cuarto en el que viven y vegetan.

Albee nos hace intuir muchos valores en común entre Martha y George. Por ejemplo ante la ambición desmedida de Nick, cuya atracción física por Martha solo está en relación directa con el hecho que Martha es la hija del Rector de la Universidad, Albee muestra una mirada significativa: tanto Martha como George cuando manipulan el insensible de Nick reculan ante su absoluta falta de valores morales.

George y Martha también comparten, para perplejidad de los que los rodean un lenguaje y una mitología inventada por ellos, que es a la par cruel y poética. El dialogo es comprensible si se lo compara con la metafísica que caracteriza el teatro del Albee de los últimos años. Aun así, “Virginia Woolf” esta llena de giros semánticos llamativos y de juegos de una cuidadosa cadencia lírica. La tentación es cabalgar la poesía del texto como si fuera un caballo alado, tal cual uso Richard Burton en la versión cinematográfica, en un estilo muy Dylan Thomas en donde Burton insistió en basar cada trastrocamiento y fanfarronada lingüística en una ración simple y típica de ese momento. George vive tras un escudo de manierismos prefabricados, pero el espectador siempre sabe el precio que paga George, siempre escudado en una sonrisa que se estremece por el dolor y la hostilidad encubierta.

Martha se contrapone a esa distancia tan cerebral que impone George con respuestas viscerales. Martha sabe que no tiene sentido del humor pero si tiene un claro sentido del ridículo. Martha es prepotente, arrogante, malcriada, poco sutil, insatisfecha, triunfalista, desagradable y a veces compasiva y todo al mismo tiempo. Estos momentos tan dispares navegan en forma separada y cuidadosa ante la necesidad de dominar al otro. El ritmo esta dictado por el alcohol y Martha esta como un felino agazapado y vive mostrando su viejo habito de adaptación a la borrachera. Martha tiene una sincronización emocional tal con George que hace que “Virginia Woolf” si bien es uno de los retratos mas enfermizos de un matrimonio al estilo de Strindberg sea, a la par profunda, y realmente una verdadera historia de amor.

Martha es durante el primer acto arrebatadora y devastadora, en el segundo acto parece un ave de rapiña movida por el sexo y en el tercer acto esta vieja insatisfecha, infeliz y carente sexualidad. Cuando se sienta y recita una letanía de razones por las cuales ella todavía quiere a ese marido tan despreciado, uno tiene la sensación que Martha se ha despojado de todo y en carne viva describe, como dice George, la medula o el meollo de la relación que los une.

El primer acto será pura diversión y juegos. El segundo acto una verdadera Walpurgisnacht, esa noche Walpurgis que cae el 30 de abril en donde las brujas supuestamente celebran en las montañas de Brocken-Harz fiesta de fertilidad con sus Dioses mientras esperan la llegada de la primavera. Para Martha y George solo será el principio del fin de sus juegos y así sucederá que en el tercer acto que los enfrentara en un exorcismo casi diabólico.

Título original

Who's Afraid of Virginia Woolf?

USA - 1966 - 124 min.
VO VE - .
Calificación: 18
Drama
Director: Mike Nichols
Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton, George Segal

Sinopsis
Mike Nichols llegó a la cumbre de su carrera con esta desgarrada adaptación de la obra teatral de Edward Albee, un emocionante y espeso vehículo para el lucimiento de dos actores que encarnan los mejores valores del cine moderno, la pareja formada por Richard Burton y Elizabeth Taylor, escoltados en la pantalla por George Segal y Sandy Dennis. Robert Redford rechazó uno de los papeles que se le ofrecieron, el interpretado por Segal. La película contiene una gran singularidad: todos los actores que intervinieron en "¿Quién teme a Virginia Woolf?", los cuatro, obtuvieron una nominación. Las actrices, Elizabeth Taylor y Sandy Dennis, se llevaron el Oscar a casa; los actores, Richard Burton y George Segal, no corrieron la misma suerte.Oscar:

Mejor actriz protagonista: Elizabeth Taylor

Mejor actriz de reparto: Sandy Dennis

Mejor dirección artística/decorados para película en blanco y negro: Richard Sylbert, George James Hopkins

Mejor fotografía en blanco y negro: Haskell Wexler

Mejor diseño de vestuario para película en blanco y negro: Irene Sharaff

Nominaciones:

Mejor actor protagonista: Richard Burton

Mejor actor de reparto: George Segal

Mejor director: Mike Nichols

Mejor montaje: Sam O'Steen

Mejor banda sonora original: Alex North

Mejor película: Ernest Lehman
Mejor sonido: George Groves

Mejor guión adaptado: Ernest Lehman